SansCrierArt: Aperçu critique de l'actualité culturelle. Comptes-rendus d'expositions, de pièces de théâtre, de films et de tous autres évènements culturels.
Les Barden Bellas, groupe de chanteuses a'capella de l'Université de Barden, championnes nationales de la discipline depuis 3 ans, se voient radiées du concours suite à un "incident technique" lors d'une prestation. Pour reconquérir leur statut de stars, elles se doivent de remporter les championnats du monde.
Il n'est pas nécessaire d'être fan ou même d'avoir vu Glee, Hit girl ou Pitch Perfect1 ou d'avoir moins de 18 ans pour s'amuser au visionnage de ce film. Le scénario est con-con, les morceaux musicaux lassants mais les comédiennes sont parfaites (à voir en VO bien sûr) et les dialogues, bien que très accès sur le pipi-caca, sont très drôles. Le clou du spectacle est assuré par un couple de commentateurs d'une férocité hilarante.
Asif Kapadia retrace la vie d'Amy Winehouse, chanteuse-auteur-compositrice de génie, morte à 27 ans.
Le souci de ces documentaires post mortem c'est qu'ils ont tendance à lorgner du côté des poubelles. Asif Kapadia n'y résiste pas et s'éternise sur les vidéos, photos et témoignages de la déchéance d'Amy. Le film donne l'impression, et ce en dépit des réjouissantes séquences de casting, studio et concerts, de passer plus de temps sur les souffrances de la jeune femme que sur son travail. L'artiste d'exception qu'était Amy Winehouse méritait un autre traitement : un documentaire au plus près de la musique et non des faits divers. Si la première partie du film enthousiasme c'est que les séquences laissent voir l'impertinence, l'humour, l'intelligence d'Amy Winehouse et son talent se découvrir. On ne sait pas très bien si l'émotion qui nous saisit dans la seconde partie naît de voir cette artiste souffrir ou de la voir, une fois encore, salie en public.
Un couple de quarantenaires sort de son train train quotidien en adoptant le mode de vie "trop cool" de leurs nouveaux amis âgés de 25 ans.
Le flm manque trop de finesse pour faire rire ou émouvoir. Tout est caricatural, grotesque et affreusement bavard. L'ennui s'installe très vite et ne nous quitte plus.
On avait retenu son nom, pourtant bien étrange, dés le visionnage de son premier film. En 1999, Haut les cœurs nous saisissait par sa mise en scène sans détour, son ton tendre mais pas mièvre, factuel sans froideur, sa distribution parfaite (Laurent Lucas, Karine Viard). Pour un premier film, avoir su conter cette histoire, qui était aussi la sienne, d'une jeune femme enceinte atteinte d'un cancer, avec une telle grâce c'était impressionnant. Puis, il y eu des documentaires et d'autres films avec souvent des destins de femme pour sujet. En janvier 2014, avec Lulu femme nue, elle retrouvait Karine Viard à qui elle offrait pour la seconde fois un très beau rôle de femme, entre douleurs et fantaisie. Bientôt, on pourra découvrir en salle son nouveau film, L'Effet aquatique dans la lignée de son Queen of Montreuil.
Liliane part en Chine pour rapatrier le corps de son fils mort dans un accident.
Ce film est bercé par une langueur, entre douleur et douceur, qui nous guide pendant 1h30. Pas de scénario extraordinaire, pas d'histoire haletante. Tout réside dans la beauté des images, la caresse des sons (dont la musique de Dustin O'Halloran), la délicatesse de Yolande Moreau et des comédiennes chinoises. L'émotion naît calmement. Un joli voyage.
Jude et Mina se rencontrent dans les toilettes d'un restaurant chinois. Quand Mina tombe enceinte, sa préoccupation première est de protéger le bébé des agressions extérieures. Jude se laisse tout d'abord convaincre avant de s'inquiéter pour la santé du bébé.
Costanzo prend d'emblée le partis pris du moche : la diarrhée au moment de la rencontre, Irène Carat en fond musical du mariage, des comédiens, excellents au demeurant, aux physiques ingrats, une lumière blafarde et des couleurs passées, une image volontairement vieillie... Cette absence de beau, tout d'abord rebutante, finie par séduire. Elle a le don d'accentuer le malaise et la sensation d'enfermement ce qui nous tient en haleine jusqu'au dénouement final.
En 1998, à Los Angeles, Maria Altmann demande à un jeune avocat de l'aider à récupérer quatre tableaux de Gustav Klimt exposés à la galerie du Belvédère à Vienne. Ces oeuvres dont "Le portrait d'Adele Bloch-Bauer", sa tante, ont été volées à la famille de Maria lors de l'occupation de l'Autriche par l'armée Allemande.
Un sujet d'une grande richesse - la spoliation des juifs et la complexité des restitutions - traité à la sauce Hollywoodienne c'est à dire sans charme ni finesse. Le réalisateur nous conte une histoire rocambolesque sans soucis des enjeux moraux, culturels et politiques qui y sont liés. Bel exploit que de rendre cette histoire vraie aussi fade. Agaçant.
Susan Cooper, agent analyste, au siège de la CIA se voit confier sa première mission sur le terrain.
Les parodies de film d'espionnage sont à la mode chez nos amis anglosaxons. Après le britannique "Kingsman", voici l'Hollywoodien "Spy". La reconstitution du film d'action est plutôt réussie et le scénario ni plus malin, ni plus idiot que celui d'un James Bond. Comme tous les films du genre, "Spy" tire en longueur - 2h00 c'est long. Les gags ne sont vraiment pas très fins - on est loin de ce point de vue de la qualité d'un OSS 117. Mais l'énergie de Melissa Mc Carthy emporte tout. Bêtement dIvertissant.
Le Pavillon Carré de Baudouin accueille trois installations de Rero créées spécialement pour le lieu. On retrouve ses mots barrés dans des installations mêlant nature et objets du quotidien. Voilà...
Un couple de suédois et ses deux enfants sont en vacances dans une station de ski des Alpes françaises. Lorsque une avalanche semble les mettre en danger, Thomas, le père, ne réagit pas comme attendu.
Ruben Ostlünd filme un couple ordinaire commentant et réagissant de façon ordinaire à un événement contrariant. Le scénario ne nous surprend jamais, les dialogues sont convenus. Reste l'ambiance. étrange que parvient à instaurer le réalisateur s'appuyant sur les machines inquiétantes qui habillent les pistes. C'est un peu juste pour nous captiver mais parfait pour nous dégouter définitivement des vacances au ski.
Tommy Egan, commandant dans l'armée de l'air des Etats-Unis, combat, désormais et à son grand désespoir, contre les talibans depuis les commandes d'un drone sur la base de Las Vegas. Cette situation créée chez lui frustration et culpabilité.
Andrew Nicol tenait là un sujet en or tant sur le plan politique, philosophique que social. Il en fait une histoire à la psychologie et à la morale d'une telle lourdeur qu'elle en devient de mauvais goût. Il y a d'autres sujets moins graves auquel siérait mieux ce traitement de roman de gare. Seul intérêt du film sa partie "documentaire" (si on part du principe que cette partie est fidèle à la réalité) sur la guerre à distance. Côté comédiens, on a connu Ethan Hawke en meilleure forme même avec une partition d'aussi piètre qualité et on retrouve January Jones (Mme Draper dans Mad Men) et sa palette de jeu à trois expressions. Décevant.
Trois frères, Antoine, Louis et Gérard voient leur vie amoureuse basculée simultanément.
Tout sonne faux dans ce film on l'on s'ennuie ferme. Une forme d'amateurisme semble guider cet Art de la Fugue. L'ensemble est terriblement mal mené, récit, mise en scène, dialogues jusqu'aux comédiens les plus confirmés (Jaoui, Laffite, Marchand...). Totalement raté.
En 2001, le journaliste Denis Robert lance l'affaire Clearstream qui affolera les milieux financiers et politiques.
Le film raconte le combat de Denis Robert pour faire éclater la vérité et faire respect son droit d'informer. Bien que soutenu par le juge Van Ruymbeke, "juge anti-corruption", Denis Robert sera harcelé par les huissiers, les politiques, la police et les services secrets français. Lâché par tous dont la presse qui mettra en doute ses révélations, il sera également poursuivi par les justices du monde entier.
Gilles Lelouch propose une prestation honnête dans le rôle de Denis Robert. Charles Berling est très juste dans celui du juge Van Ruymbeke. Le film, tout en faisant le portrait d'un homme seul contre tous, a l'avantage d'expliquer efficacement, en simplifiant au maximum, l'affaire Clearstream. Intéressant.
À Los Angeles, Jason, cameraman à la télévision, présente au producteur de cinéma Bob Marshall son projet de film, une histoire de postes de télévision tueurs. Bob accepte de produire le film à condition que Jason lui fournisse, dans les 48 heures, le gémissement le plus effrayant qui soit. Dans sa quête du Graal, Jason va explorer toutes les dimensions de la perception du réel.
À côté de cette intrigue principale viennent s'accrocher trois histoires tout aussi loufoques. Sans qu'on comprenne grand chose au récit, on est immédiatement captivé par le film. Tout d'abord par son esthétique ;lumière diffuse, cadrages décalés, montage sec, musique (Philip Glass) répétitive hypnotique; par ses histoires absurdes et inquiétantes, par son humour décalé et par les acteurs tous très bons, avec en tête Alain Chabat, parfait candide et Jonathan Lambert, excellent en producteur fou.
Réalité est un film dont il est compliqué de parler tant son propos et sa forme sont atypiques et se doivent d’être découverts à la projection. Une bonne expérience de cinéma surréaliste, peut-être un peu vain mais très plaisant, comme souvent chez Dupieux.
Dans une superette Discount, voyant leurs emplois menacés par l'installation de caisses automatiques, 5 employés "récupèrent" les denrées gaspillées par le magasin et créent un discount alternatif.
Cette comédie sociale s'avère plus dramatique et touchante que ce que laissaient présager la bande annonce et le pitch. Bien sûr, on sourit mais le film, si proche de la réalité du quotidien de beaucoup, ne se dépare jamais d'une belle gravité. Les comédiens menés par Corinne Masiero et Olivier Barthelemy sont très justes. Une belle surprise.
Florence et Vincent, après 15 ans de vie commune, devenus plus amis qu'amants, souhaitent divorcer. Lorsqu'ils reçoivent tous les deux la promotion de leur rêve, ils se disputent la NON garde des enfants.
Une comédie qui sort du tout venant en nous proposant du vrai cinéma : un scénario soigné et une mise en scène créative. L'ensemble dose avec élégance les ambiances et fait ainsi passer comme une lettre à la poste tous les excès. Marina Foïs et Laurent Lafitte sont parfaits et on retrouve avec plaisir Anna Lemarchand qui avait marqué de sa présence "Du vent dans mes mollets".
Au coeur des Etats-Unis, dans une ville abandonnée, Billy élève seule ses deux fils. Pour payer les dernières traites de la maison, elle accepte de travailler dans un cabaret un peu particulier. De son côté, Bones, son fils aîné, explore une cité engloutie.
Ryan Gosling nous conte une histoire complexe, ésotérique et gore, dans une ambiance de fin du monde. Si le scénario peut laisser perplexe, l'ambition est bien là et la qualité esthétique et de la mise en scène touche d'emblée. Un peu court pour passionner vraiment mais déjà pas si mal pour un premier film.
Jafar Panahi se transforme en chauffeur de taxi le temps de tourner son nouveau film. Le réalisateur Iranien, interdit de tournage et de sortie du territoire, utilise ce stratagème pour dénoncer les diktats du pouvoir iranien. Chaque client qui passe dans son taxi est l'occasion d'évoquer un de ces maux : la peine de mort largement appliquée, la censure des films étrangers et le trafic que cela créé à l'intérieur du pays, les critères strictes de validation d'un film, le harcèlement subit par les avocats des Droits de l'Homme, la condition des femmes assujetties aux hommes, l'emprisonnement de Ghoncheh Ghavami pour avoir voulu assister à un match de volley ball, la pauvreté du peuple... Chaque saynète, souvent cocasse, est d'un naturel confondant. Panahi, au volant du film et du véhicule, joue l'autodérision, chauffeur de taxi d'opérette qui conduit mal et se perd, ami et oncle absent, comme pour équilibrer le fait que plusieurs de ces personnages le flatte d'être une personnalité importante. Les caméras, fixées sur le tableau de bord, filment une réalité jouée à l'intérieur de la voiture mais aussi la réalité des rues que la voiture traverse. Le film commence et se termine sans générique, préservant, un peu, "l'anonymat" des participants qui défient ici le pouvoir en place. Si on est bluffé par le film, c'est plus pour le contexte dans lequel il a été tourné et ce qu'il dénonce que pour ses qualités purement artistiques.
Taxi Téhéran a reçu l'Ours d'Or du meilleur film au festival de Berlin.
