SansCrierArt: Aperçu critique de l'actualité culturelle. Comptes-rendus d'expositions, de pièces de théâtre, de films et de tous autres évènements culturels.
Christian Hecq et Valérie Lesort reprennent La Mouche, trois fois Moliérisée en 2020 (meilleure comédien, meilleure comédienne. création visuelle) toujours aux Bouffes du Nord.
Le sociétaire de la Comédie Française et la comédienne-plasticienne adaptent librement la nouvelle de George Langelaan, (déjà adaptée au cinéma par David Cronenberg) en une version mêlant comédie et science-fiction. Dans les années 60, dans un village de France, Odette vit avec son fils Robert qui passe ses journées dans son laboratoire. Il y fait des recherches sur la téléportation et obtient des résultats plus ou moins encourageants...
Très drôle, entre Strip-Tease, l´émission de télévision, et Les Deschiens, cette adaptation n´en présente pas moins un registre émotionnel large, le rire côtoyant régulièrement l'effroi et la compassion dans un dosage précis. Cette maitrise est une des forces de la pièce à laquelle s'ajoute une scénographie audacieuse et de grands interprètes menés par un Christian Hecq en très grande forme.
Paul Goutard est un scénariste sans succès, psychologiquement fragile que son épouse et son petit garçon ne peuvent aider.
Tel est le point de départ de la riche histoire que nous conte François de Brauer qui, seul en scène, interprète une vingtaine de personnages.
Alors que l'art a été considéré pendant plusieurs mois comme non essentiel, La loi des Prodiges interroge, sur le ton du drame, de l'humour et de la poésie, sur ce qu'est l"art, son utilité, sa place dans une société où tout se consomme ou la productivité domine, Il dézingue, au passage, le tout spectacle, en politique, à la télévision et au niveau économique, mais aussi le marché de l'art et un certain élitisme.
François de Bauer offre un spectacle beau et puissant qu'il interprète avec force et maestria.
A ne pas rater sur francetv.fr jusqu'au 22 décembre 2021.
Gulliver, dans son 3e voyage, fait nauvrage sur l'archipel de Laputa composé de quatre iles habitées par des personnages étranges.
Les comédiens de Catalyste menés par les metteurs en scène Madeleine Louarn et Jean-François Auguste nous emportent dans la fantasmagorie du roman de Jonathan Swift. La peur de la fin du monde et la mort sont au coeur de ce récit mené sur le ton de la satire, à la fois drôle et grinçant. Dans le respect du roman, les comédiens ont réécrit une partie de leur partition pour mieux se l'approprier, ajoutant ici et là quelques références contemporaines.
Ici Gulliver est une femme. Une jeune femme à la voix enfantine qui rend ses étonnements face à la folie des hommes plus touchants encore et drôles aussi. Manon Carpentier est excellente dans le rôle, entourée par les comédiens de la troupe, très bons également. Leur différence ; ils sont atteint d'handicap ; apporte à leur personnage la singularité qui sied parfaitement au récit et intensifie la portée décalée du propos.
A voir dans le cadre du Festival In d'Avignon jusqu'au 24 juillet, puis notamment du 2 au 6 octobre à Sew à Morlaix et à la MC93 en février 2022.
Chaque année, rendez-vous est pris. Le théâtre du Rond Point ouvre sa plus belle salle au Cirque Invisible de Jean-Baptiste Thierrée et Victoria Chaplin.
Lui, 83 ans, est le clown lunaire, farceur aux tours de magie où l'imaginaire et le rire l'emporte sur le sensationnel. Elle, 70 ans, est l’acrobate, la transformiste, la rêveuse qui nous présente son bestiaire géant et fantastique. Si le temps passe, la poésie et la grâce demeurent.
La Comédie Française post-confinement se lâche et présente un spectacle musical libératoire particulièrement réjouissant.
La scène de la salle Richelieu se transforme en cabaret avec pour maître de cérémonie un Serge Bagdassarian aux allures de maharadja, tout d'or vêtu, irrésistible. Le comédien a créé ce spectacle avec Marina Hands, elle aussi sur scène.
Ils ont embarqué dans leur folie expiatoire Alain Lenglet, Anne Kessler, Julie Sicard, Sylvia Bergé, Florence Viala, Elsa Lepoivre, Jennifer Decker, Noam Morgensztern, Gael Kamilindi, Yoann Gasiorowski, Clément Bresson, Salomé Benchimol et Nicolas Verdier.
Avant tout portés par le rire et une joie débordante, mais non sans émotion, sketchs, numéros visuels, morceaux musicaux, hommages aux métiers du spectacle, à la comédie musicale et au grand répertoire, évocations du quotidien des comédiens du Français se succèdent multipliant les effets de surprises, passant du 3ième au 1er degrés, faisant se toucher de près fous rires et émotions, soulignant tout à la fois la force et la fragilité des comédiens, celles du monde du spectacle et l'indispensable complicité avec le public.
Mais quelle Comédie ! procure une joie sans nulle autre pareille, un bonheur immense de retrouver la Comédie Française et ses magnifiques comédiens.
A ne surtout pas manquer. Salle Richelieu jusqu'au 25 juillet.
Pendant le confinement, Jacques Weber a réuni François Morel, François Marthouret, Christine Murillo, Catherine Ferran, lui-même et les marquantes Stéphane Caillard et Audrey Bonnet dans le théâtre de l'Atelier pour proposer une version télévisée d'Oncle Vania de Tchekhov.
Sur la scène, dans la salle et les coulisses du théâtre, la caméra suit les comédiens qui présentent une réécriture moderne de l'oeuvre, qui déçoit un peu. Est-ce la réalisation très prégnante, est-ce la simplification du texte... toujours est-il que le souffle romanesque, la force de la mélancolie Tchekovienne n'affleurent que trop peu.
Jean-François Sivadier met en scène les répétitions de La Traviata de Verdi. Metteur en scène passionné et au bord de la crise de nerfs, chef d'orchestre péremptoire, ténor perché, divas capricieuses, assistante désabusée... tous s'affairent dans cette création, le public représentant les choristes et l'orchestre (muets) de la troupe.
Sivadier montre la création au travail avec l'engagement qu'elle commande, sa passion, sa folie, son incongruité, les angoisses et prétentions de chacun.... Le spectacle de ces répétitions très drôle présente aussi de beaux moments d'émotion et d'hommage à l'art théâtrale. Les comédiens, Nicolas Bouchaud, Marie Caries, Charlotte Clamens, Vincent Guedon, Nadia Vonderheyden et JF Sivadier sont excellents.
France 5 propose, jusqu'au 22 mai, sur le site www.francetv.fr, une captation vidéo très réussie (réalisée par Philippe Beziat).
Sabine trouve dans une vieille boite, ayant appartenue à son grand-père, des archives concernant un certain Léopold Morgenstern.
Frédéric Moulin a écrit et interprète cette pièce qui raconte ses recherches et ses découvertes sur l'histoire de Léopold Morgenstern et ce qui, peut-être, le liait à Louis Moulin.
L'association de la lecture et la projection des documents, ancrant la pièce dans sa vérité historique, et de l'héroïne féminine, exprimant les émotions et les doutes ressentis pendant sa quête, donnent à la pièce une force romanesque à deux dimensions très efficace.
Une version filmique est rediffusée sur la chaîne LCP le 30 avril à 22h00.
Le 2 mars 1955, à Montgomery, en Alabama, dans un bus, Claudette Colvin, 15 ans, la peau noire, refuse de céder sa place à une femme blanche. Elle sera la première noire à oser plaider non-coupable face aux juges.
Tania de Montaigne relate le rôle précurseur joué par cette adolescente qui, 18 mois avant Rosa Parks, a osé défier les règles ségrégationnistes établies par Jim Crow. Noire dénonce l'indifférence de l'Histoire envers l'immense courage de Claudette Colvin ; courage dans son geste de rebelion, dans ses interventions face à la justice. Cette jeune fille fut aussi utilisée et abandonnée par les "vedettes" de la cause noire.
La scénographie basée sur des projections de videos et images d'époque et la qualité du texte dessinent parfaitement le contexte, la succession des faits, leur violence et leur injustice. Sur scène, au coeur, de ces illustrations, Tania de Montaigne invite le spectateur à s'identifier à une américaine "colored" vivant en Alabama dans les années 50.
Son court récit à la fois empathique et froid est saisissant.
Les séances d'avril au théâtre de l'oeuvre sont reportées en novembre 2021.
A défaut de pouvoir voir le spectacle en salle, une captation vidéo est accessible sur francetv.fr.
Noire, le livre de Tania de Montaigne (éditions Grasset), est disponible dans toutes les bonnes librairies.
En 2019, les comédiens Stéphane Varuprenne et Sébastien Pouderoux ont composé un spectacle sur Serge Gainsbourg où entre chansons et extraits de déclarations se dessine la complexité de ce musicien, poète, artiste à la fois maudit et vénéré, icône du XXe siècle.
Avec eux, Benjamin Laverhne, Noam Morgensztern, Yoann Gasiorowski et Rebecca Marder jouent la comédie, de la musique et chantent.
Alors que l'on célèbre les 30 ans de la mort de Gainsbourg, France 3 en présente, ce 26 février, une version filmique épatante.
BeTipul, série israélienne, mettant en scène un psychanaliste et ses patients a été adaptée dans de nombreux pays dont les USA avec Gabriel Byrne dans le rôle du thérapeute.
C'est Arte qui propose la version française en la confiant à Olivier Nakache et Eric Toledano. Même mise en place. Un psy dans son cabinet reçoit ses patients pour 35 têtes à têtes de 26 minutes chacun. Ce huis clos captivant nous invite à suivre 5 patients, et deux thérapeutes, le héros et sa contrôleuse. Si la version française est proche de son modèle, son contexte lui est propre. Les rendez-vous se déroulent aux lendemains des attentats du 13 novembre 2015, l'un des plus récents traumatismes de la nation entière. Les 5 patients chacun avec leur vécu et leur pathologie propre, leur rapport à la psychanalyse, à leur place dans la société, dessinent les visages d'une humanité complexe.
L'intérêt de la série repose sur trois qualités : celle de l'écriture, celle de l'interprétation et celle de la mise en scène. Ils sont sept à l'écriture du scénario soignant le dessin des protagonistes dans des dialogues précis. Ils sont 5 réalisateurs, à chacun son patient, qui dans ce huis clos qui ne se limite pas aux champs et contre-champs expriment, en plans soignés et ingénieux, les émotions qui ne sont pas dites. Ils sont huit comédiens tous très bons dans cet exercice difficile n'autorisant aucune approximation : Sophie Cattani, Carole Bouquet, Reda Kateb, Clémence Poésy, Pio Marmai, Elsa Lepoivre merveille de la Comédie Française, l'impressionnante Mélanie Thierry, la sidérante Céleste Brunnquell et le toujours impeccable Frédéric Pierrot.
A voir sur Arte tous les jeudis ou à volonté sur arte.tv
Blanche Gardin a demandé à FabCaro de mettre en images la captation sonore de son premier spectacle Il faut que je vous parle.
Le trait simple, en noir et blanc, représentant Blanche Gardin derrière son micro, accompagne la voix de la comédienne. Une épure qui met en avant l'extrême expressivité de son jeu et de ses propos. Déjà très drôle, très crue et vacharde, Blanche Gardin marquait dès ce premier spectacle sa lecture de la vie et son ton si particuliers.
Pour son 4ieme spectacle et en 70 minutes chrono, Camille Chamoux s'attaque à la course après le temps, course accentuée par une société où tout va de plus en plus vite.
S'appuyant sur des penseurs tendance (Proust, Epicure, Boris Vian, Ferré, Michel Ange... ) et sur les angoisses de son fils de 5 ans, Camille Chamoux dissèque les manies, agacements, phobies... créés par notre monde moderne, Ubérisé, Wazisé, minuté.
L'ensemble est, comme chaque fois chez Camille Chamoux, intelligement écrit, parcouru de messages féministes, de citations percutantes et de puchline personnelle. La mise en scène de Vincent Dedienne sert parfaitement le texte que la comédienne interprète avec la juste folie propice au rire.
A voir au théâtre du Petit-Saint Martin du mercredi au samedi à 20h30.
La nouvelle création de Joël Pommerat traite de la construction à l'âge de l'adolescence dans un monde où la violence domine, où la question du genre revient sans cesse, où les parents démissionnent, où les machines se substituent aux éducateurs, où les enfants le sont de moins en moins longtemps... A travers une dizaine de scènes déroutantes, Pommerat nous laisse entrevoir de multiples lectures. Tout en nous interrogeant sans cesse sur la teneur de ses messages, "Contes et légendes" nous emporte à chaque tableau dans un nouvel intrigant récit.
Sur la forme, l'extrême sobriété de la scénographie accompagne parfaitement l'excellence des jeunes comédiennes. La qualité de l'interprétation sert au plus juste l'angoisse, la violence, l'émotion sans que le rire ne quitte jamais vraiment la scène.
Pommerat nous offre une fois encore une expérience théâtrale remarquable. En jouant à la fois sur le rire et le drame, il nous invite à nous questionner sur l'avenir annoncé à nos enfants par cette étrange société.
Suite au naufrage d'un navire, Viola échoue en Illyrie. Pour échapper aux risques de sa condition de femme, elle se travestit en homme et se fait engager sous le nom de Césario, aux services du Duc Orsino. Ce dernier, fou amoureux de la Comtesse Viola, qui se refuse à lui, demande à Césario d'être son messager auprès de sa bien-aimée.
Thomas Ostermeier s'empare de cette comédie que William Shakespeare a écrite à l'occasion du carnaval, lieu de tous les travestissements et où régnants et peuple se trouvent à égalité. Le dramaturge se joue des genres, interroge les origines du sentiment amoureux et moque la folie des puissants. Si on peut s'étonner de la modernité d'un tel propos pour l'époque, sur le papier le pitch n'impressionne pas par son originalité.
Mais la folie avec laquelle Shakespeare dessine ses personnages, l'outrance de la mise en scène d'Ostermeier et la qualité de jeu des comédiens enrichissent formidablement le récit. Le délire est de mise et si on ne sait pas jusqu'à quel point la traduction d'Olivier Cadiot transfigure le texte original, on est souvent saisi par son audace. Les improvisations des comédiens sur l'actualité (réforme des retraites, 49.3, coronavirus...) ajoutent au délire et respectent la tradition du Globe où les comédiens interpellaient directement le public.
Denis Podalydes, Georgia Scalliet, Adeline d'Hermy, Anna Cervinka, Noam Morgensztern, Julien Frison sont parfaits, comme la troupe du français sait toujours l'être, mais ce sont les prestations de quatre comédiens particulièrement bien servis qui nous marquent. Sébastien Pouderoux en serviteur coincé et amoureux, Laurent Stocker en oncle dégénéré, Christophe Montenez, en aristo cinglé s'en donnent à cœur joie dans l'outrance parfaitement dosée. Et il y a Stéphane Varupenne en Fou du Duc et de la Comtesse qui semble se promener dans cette partition, lui aussi excellent de bout en bout dans le premier degré comme dans les apartés.
Si certains déplorent la laideur du décor et des (non-)costumes, elle convient parfaitement à cette ambiance de carnaval où tout est décadence, outrance et où les apparences trompent tout le monde ou personne. En un contraste puissant, un contre-ténor accompagné au théorbe intervient à plusieurs reprises apportant douceur et beauté au milieu de cette délirante farce.
La salle du théâtre Antoine est pleine. Un homme entre par l'orchestre en courant et monte sur scène. Il jouait dans le théâtre d'à côté et il s'est enfuie poussé par une angoisse soudaine.
Dans cette mise en abyme, Edouard Baer interroge le métier de comédien et la création, ce qu'ils provoquent, ce qu'ils portent. Tout à la fois, le génie, le ridicule, les excès et la schizophrénie de l'acteur, la grandeur, l'ineptie, la magie, l'incongruité des récits, la beauté ou la pauvreté de la langue, la fascination et le jugement du spectateur.
Alternant rire et émotion, s'appuyant sur le charme indéniable de sa folie douce, Edouard Baer se lance dans une divagation où il rend hommage à ses monstres sacrés, surtout des hommes, en extraits sonores et longues citations. Pierre Brasseur, Jean Rochefort, Jean-Louis Trintignant, Romain Gary, Albert Camus, Thomas Bernhardt, Charles Bukowski, André Malraux, Georges Brassens, Delphine Seyrig, trop vite, Jacqueline Maillan et le théâtre de boulevard...
On imagine que chaque soir offre ses surprises et que ce spectacle permet à ce comédien de génie de laisser carte blanche à son goût pour l'improvisation.
La maison s'agite. La soeur, le frère, la belle-mère se préparent à une visite attendue depuis 20 ans. Il faut dire que le père se meurt et qu'une réconciliation serait bienvenue.
David Clavel, dans une scénographie simple, efficace et agréable, aux mouvements de décors astucieux, revisite le thème de la famille déchirée, recomposée, aux multiples non-dits. Sur scène trois hommes, frères, fils, père et trois femmes soeur, épouses, belle-mère.
Les personnages féminins (Emmanuelle Devos, Anne Suarez et Valérie de Dietrich, toutes les trois parfaite) sont particulièrement savoureux, dans leur retenu, leur autorité, leur disponibilité ou leur folie. Leur partition sonne juste entre sarcasme, ironie, franchise jusqu'à la provocation.
A l'exception du mourant aux saillies mordantes, les rôles masculins (David Clavel, Mael Besnard, David Martin) héritent d'une écriture moins inventive et rythmée qui finit par prendre racine dans un premier degré un peu déroutant au regard du reste de la partition. Certaines répliques qui voudraient dire la profondeur d'un mal être sont maladroites ou un peu ridicules. Doit-on en déduire que les hommes sont des nombrilistes qui pleurent sur leur triste sort sans le moindre recul ou autodérision ? Ou que David Clavel, à la fois interprète et auteur de la pièce n'a pas su s'écrire un rôle à sa mesure (on se souvient notamment de ses interprétations avec la troupe Les Possédés Oncle Vania, Bullet Park...) ?
Ce déséquilibre dans l'écriture si elle interpelle ne nuit pas à l'intérêt porté à la pièce durant ses 90 premières minutes. La dernière demi-heure, elle, marque le pas nous laissant dans un entre deux mêlé de desappointements et d'impressions fortes.
Fanny Brice, star du music hall, se remémore son parcours d'artiste et sa vie de femme.
Inspirée de la vie de la vraie Fanny Brice, Funny Girl a été créée à Broadway en 1964 avec dans le rôle titre Barbra Streisand, découverte à cette occasion. Jean-Luc Choplin, directeur du théâtre Marigny, met en scène pour la première fois en France, ce spectacle, à la fois drôle et dramatique, devenu un classique de la comédie musicale. Cette production français présente une distribution internationale de comédiens-chanteurs-danseurs de grande qualité. A la tête de la troupe Christina Bianco comédienne, chanteuse et imitatrice américaine, impressionne par la puissance et la justesse de son interprétation tant dans le jeu que dans le chant.
Après 2h30 d'un spectacle virevoltant, le public du Marigny offre une ovation à cette belle troupe, son orchestre et à sa révélation Christina Bianco.
Alex Lutz revient avec son nouveau spectacle aux Folies Bergeres. Lancé en février 2018 à l'Olympia, ce deuxième opus se présente comme un stand-up. Plus de sketchs comme sur le spectacle précédent mais une longue réflexion sur les angoisses de la vie et le vivre ensemble qui ouvre de nombreux apartés sur le nombrilisme de l'artiste, sur la peur libérée par le rire, sur la condition des femmes, sur l'origine des manies de l'Homme... L'artiste fait passer quelques convictions de façon plus direct, dans un 1er degré qui réduit les moments de rire franc, qui lorsqu'il est là est toujours très efficace. Il est accompagné en entrée, dans une scène burlesque, et en sortie, dans une séquence esthétique et poétique, de deux superbes chevaux blancs qui soulignent la volonté de l'artiste de proposer plus qu'un spectacle comique.
Dans cette sorte de fourre-tout, qui s'enchaine parfaitement, le talent du comédien et sa maitrise de la scène ne cessent d'impressionner.
Descendant des cintres dans une quasi verticalité, un plateau en bois massif porte 3 hommes et 3 femmes qui tentent de ne pas céder à l'attractivité terrestre. Quand le plateau se positionne à l'horizontale et se met à tourner sur lui-même, telle la terre en rotation, les six personnages poursuivent leur quête d'équilibre, alternant comportement individualiste et collaboratif, terreur vive, bonheur fugace et jeux dangereux. Ils sont les jouets de cet espace versatile auquel ils semblent coûte que coûte vouloir rester attachés.
Les 6 danseurs-circassiens (Julien Cramillet, Kerem Gelebek, Jean-Yves Phuong, Sarah Silverblatt-Buser, Marie Vaudin, Francesca Ziviani) déjouent pendant 1 heure les lois de l'apesanteur et donnent à cette allégorie de la vie, et de sa double gravité, toutes leurs forces et leurs talents d’acrobates et de comédiens. L'engagement physique est impressionnant tout comme la maîtrise technique.
Entre poésie et performance physique Celui qui tombe impressionne.
Entre 1987 et 1989, Marguerite Duras accorde une serie d'entretiens à la journaliste italienne Leopoldina Pallota della Torre. L'écrivain raconte son enfance et son adolescence, son amant chinois, sa mère et ses frères, ses rapports aux hommes, au féminisme qu'elle méprise, au communisme et à l'alcoolisme, à la littérature, la sienne et celle de ses contemporains, à ses propres adaptations cinématographiques qui ne peuvent pas être pires que celles des autres. Piquante, brillante, agaçante, excessive et parfois drôle, Marguerite Duras raconte les rencontres et les moments clés de sa vie.
Au théâtre de l'oeuvre, pour 10 représentations, Bertrand Marcos, met en scène ces entretiens. Il interprète, tout en sobriété, le journaliste.
Fanny Ardant, grande interprète de Duras donne à l'écrivain son beau regard noir, tout à la fois lumineux et sombre, son corps longiligne à la démarche élégante et ondulante, sa voix unique, grave et intense. Elle apporte aux mots de Duras une vitalité, une fantaisie et une intensité unique.
Italie, début du XVIIe siècle, Galileo Galilée, mathématicien et astronome, confirme et clame la thèse de Copernic : la terre tourne autour du soleil qui est le centre de l’univers.
Les instances religieuses, tout d’abord conciliantes avec l’homme de génie, en viennent à lui intimer de se dédire. L’astre au centre de l’univers ne peut être que la terre qui abrite les créatures Dieu.
La pièce de Brecht demeure d’actualité. Le dogmatisme religieux peut s’imposer même aux plus savants. Il nous présente ainsi la vie de Galilée à diverses étapes de ses découvertes et de son état d’esprit, de la liberté sans limite à l’emprisonnement, de l’enthousiasme le plus grand à la renonciation, presque, totale (il poursuivra certains de ses travaux en cachette).
Sous un éclairage minimaliste qui ingénieusement ne montre que ce qu’il est important de voir, Eric Ruff met en scène 25 comédiens, qui forment, une magnifique troupe. Hervé Pierre est un grandiose Galilée, entouré de Florence Viala, Thierry Hancisse, Jean Chevalier et Élise Lhomeau. Les costumes de Christian Lacroix sont très beaux et servent parfaitement les chorégraphies de Glyslein Lefever.
Le décor, constitué de 10 immenses toiles reproduisant des détails d’œuvres de peintres de la Renaissance Italienne, déconcerte tout d’abord avant de devenir évident. Ces icônes religieuses semblent juger et écraser notre scientifique, finalement si petit face à la puissance de l’église et à l’espoir qu’elle porte et exploite.
Si on peut trouver le texte un peu redondant, les 2h10 de ce récit conservent toute notre attention. La qualité de la troupe de la Comédie Française et les parti-pris de la scénographie y sont pour beaucoup.
Lorsque Serge présente à Marc le tableau qu'il vient d'acquérir, celui-ci réagit violement. L'oeuvre est totalement blanche et coûte 30 000 euros. Marc s'empresse d'informer Yvan de la bêtise de leur ami Serge.
"Art" de Yasmina Reza, créée en 1994 par Fabrice Luchini, Pierre Arditi et Pierre Vanek, serait l'oeuvre théâtrale contemporaine la plus jouée dans le monde.
Il est vrai que son sujet principal, l'amitié, est universel.
Yasmina Reza interroge ce qu'est l'amitié. Sur quels liens de dominance, d'admiration ou de faux-semblants tient-elle, quel est son prix si elle en a un, jusqu'où peut-elle mener ? Elle en profite au passage pour égratigner l'art contemporain et le snobisme qui l'accompagne, pour questionner sur la gentillesse ou la tolérance que certains interprètent comme de la faiblesse, sur le poids des convictions.
Le théâtre Antoine accueille une nouvelle mise en scène de Patrice Kerbrat, interprétés par les excellents Charles Berling, Alain Fromager et Jean-Pierre Darroussin. Ce dernier, qui, il est vrai, récolte la meilleure partition, est particulièrement réjouissant dans son interprétation. Il a reçu en 2018, le Molière du meilleur comédien pour ce rôle.
Le public est d'emblée chaud bouillant quand Roman Frayssinet entre en scène au point que pointe l'inquiétude que cet excès d'enthousiasme puisse perturber la juste écoute du spectacle. Que nenni. L'artiste prend la parole et impose naturellement une grande qualité d'écoute.
Frayssinet déroule le cycle de la vie, son inaptitude à l'amour, ses projets de vieillesse, ses rêves de gloire, sa vision de l'origine du monde, sa passion pour la nature, la violence des jeux d'adulte, celle de Paris, évoquant ainsi ses regrets, ses peurs, son humanisme, nos vies absurdes.
Alternant vannes percutantes, récits délirants et pensées profondes, il joue sur les tonalités en permanence de l'exaltation, à la confidence, de la grivoiserie à la poésie. Ainsi, le public rit, retient sa respiration, s’esclaffe, fait silence pour ne rien rater.
Roman Frayssinet présente un style très personnel, d'une expression soignée et ciselée dans tous les styles. Ses qualités de comédien, lui permettent de doser parfaitement chaque expression du visage et une gestuelle minimaliste extrêmement précise et expressive
Au théâtre de l'Oeuvre des jeudi et samedi à 21h jusqu'au 21 décembre.
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