Avec sa maman, Marion, et son père, Nelly revient dans la maison de sa grand-mère qui vient de mourir. Il faut faire le tri dans ses affaires et vider les lieux. Mais Marion, bouleversée, part et laisse Nelly et son père seuls dans la maison. Quand Nelly arpente la forêt mitoyenne, elle rencontre une petite fille qui lui ressemble.

Céline Sciamma filme depuis toujours l'enfance et l'adolescence féminine, âges des questionnements et de la construction. Ici, elle fait de son héroïne une petite fille à l'écoute des grandes personnes, une petite fille curieuse de l'enfance de ses parents, de ce qui les a construit. Cette curiosité et cette ouverture à l'autre placent d'emblée Nelly, et par identification le spectateur, dans les meilleures dispositions pour accueillir la rencontre extraordinaire qui l'attend au coeur et de l'autre côté de la forêt.

La magie réside ici dans la capacité de Céline Sciamma à emporter le spectateur dans cette histoire fantastique sans que le fantastique soit au centre du film. L'important se situe dans la rencontre, les émotions qu'elle suscite, les réponses qu'elle apporte et la possibilité de renouveler un dernier au revoir qui laissait des regrets.

Le récit au cordeau associé â une réalisation millimétrée, un montage précis et à une interprétation de Nina Meurisse, de Stéphane Varupenne, de Margot Abascal et des jeunes Joséphine et Gabrielle Sanz tout en retenue, permet d'aller droit à l'émotion et aux questionnements sur la transmission, la sororité, la relation parent-enfant,  l'absence, l'amitié, ce qui reste de l'enfance...

Un grand film d'1h10 à voir au cinéma.

Ceux qui ont eu la chance de voir Le Père au théâtre Hébertot se souviennent surtout de la prestation de Robert Hirsch emportant tout jusqu'au Molière du meilleur comédien.

En adaptant sa pièce au cinéma, Florian Zeller offre à Anthony Hopkins ce même incroyable rôle et un Oscar. Mais la magie du cinéma lui apporte surtout la possibilité de placer le spectateur dans la peau de son héros. Bien que construit de façon quasi similaire à la version théâtrale, son récit prend ici une tout autre ampleur. Les dialogues qui semblaient manquer de grâce au théâtre passent ici très bien, assistés par une belle et patiente mise en scène et une mise en son et en musique délicate.

Si Hopkins est épatant, Olivia Colman impressionne elle aussi, dans une composition tout en retenue.

Florian Zeller se révèle ainsi plus proche du bon cinéaste que du grand auteur de théâtre.

Suze, atteinte d'une maladie grave, cherche l'enfant qu'elle a abandonné à la naissance. 

Depuis 9 mois ferme, Albert Dupontel fait, avec bonheur, cohabiter burlesque, férocité, tendresse et un 1er degré qui n'avaient pas leur place dans ses premiers films plus caustiques.

Ici, Dupontel affiche plus encore ce 1er degré et une forme de naïveté qui chez un autre glisserait dans la niaiserie. Le mordant, le sens du burlesque, l'écriture serrée, la mise en scène précise et l'élégance des interprètes sauve cette fable de cet écueil.

Dans un récit drôle et émouvant d'un grand romanesque, Dupontel dénonce, la souffrance au travail - ses trois héros souffrent de maux nés de leur activité professionnelle, une modernité qui efface tout, le tout numérique qui isole et surveille, les violences policières...

Virginie Effira, dans un rôle casse-gueule à souhait, est parfaite de nuances, Dupontel excelle dans le rôle du monsieur tout le monde prit dans la tourmente et Nicolas Marié brille une fois encore dans le décalage.

Novembre 2003, les USA ont mis fin au règne de Saddam Hussein et ont envahie l'Irak. A Bagdad, Mushin Kadr al-Khafadji, policier, est recruté par la coalition.

A travers ce personnage au passé aussi trouble que douloureux, Stephen Butchard, scénariste et Elliot Colla, auteur du roman originel, dessinent un thriller-historico-politique haletant. Les spécialistes du moyen-orient y trouveront peut-être quelques raccourcis grossiers, les autres s'attacheront à ce père de famille qui compose comme il peut avec les régimes politiques auquels lui et son pays sont soumis. Waleed Zuaiter dans le rôle principal est parfait, soutenu par un casting excellent.

6 épisodes à voir par lot de 3 sur Arte les jeudi 8 et 15 avril ou à volonté sur arte.tv. 

Le passionné et passionnant Bertrand Tavernier est parti aujourd'hui. A 79 ans, il nous laisse une imposante filmographie, tant par le nombre de films réalisés que par leur qualité, une liste impressionnante que l'on serait tenté de publier simplement parce qu'elle suffit à dire le talent du cinéaste.

Ainsi, en 1974, il signe pour son premier film un classique, L'Horloger de Saint-Paul, avec l'immense Philippe Noiret et traite de la filiation, un de ses sujets fétiches que l'on retrouve notamment dans Daddy Nostalgie et dans le chef d'oeuvre, sommet de mélancolie, Un dimanche à la campagne, adaptation du magnifique livre de Pierre Bost "Monsieur Lamiral va bientôt mourir".

Observateur attentionné de notre société, célébrant la bonté des uns et dénonçant les travers des autres, il signe avec la fiction L627, un presque documentaire précis sur une brigade de police, avec L'Appât, une dénonciation de la banalisation de la violence, dans La mort en direct, celle de la société du spectacle (en 1980, bien avant l'arrivée de la télé réalité en France), dans Coup de torchon, celle du racisme et de sa bêtise, avec Holy Lola, les difficultés de l'adoption, dans Ca commence aujourd'hui, il salue l'abnégation des "maîtres" instituteurs face à la misère sociale. Il aimait filmer les gens au travail. Ses personnages, quelque soit l'histoire dans laquelle ils sont plongés, ont un métier, horloger, instituteur, policier, ouvrier, artisan..., qu'il met en scène avec précision. Dans Quai d'Orsay, il dessine de façon très drôle très documentée, la vie d'un ministère (celui de De Villepin) et l'effervescence du travail des conseillers et des secrétaires.

Tout terrain, il s'est aussi promené du côté des films historiques. En costumes d'époque, La princesse de Montpensier, Que la fête commence, La fille de d'Artagnan, La passion Béatrice, dans notre Histoire plus contemporaine, La vie et rien d'autre, Capitaine Conan, Laissez-passer.

Il a aussi célébré deux de ces passions, le jazz dans Autour de minuit et le cinéma américain mettant en scène Tommy Lee Jones himself dans Dans les brumes électriques.

Cet amoureux du cinéma, qui débuta comme attaché de presse et journaliste dans les revues spécialisées pour devenir des années plus tard le Président de l'Institut Lumière, était aussi un formidable conteur de l'histoire du 7e art. En 2016, son dernier long-métrage a pris la forme d'un documentaire. Avec Voyage à travers le cinéma français, Bertrand Tavernier nous invite dans une partie de son panthéon du cinéma français. Trois heures de ballade émouvante et drôle que les commentaires du cinéaste rendent hypnotique. Il poursuivra le voyage en 2018, sur Arte, avec 8 épisodes, lui permettant de présenter d'autres réalisateurs, comédiens et musiciens qui ont enchanté sa vie de spectateur.

Un partage de passion porté par sa générosité et son goût de la transmission.

Vladimir annule la semaine de vacances prévue avec Antoinette, sa maîtresse. Il part en randonnée dans les Cévennes avec femme et enfant. Antoinette décide d'aller le retrouver.

Ce sympathique road movie, dans les beaux paysages cevenols, propose un scénario qui se cale sur le rythme de Patrick, l'âne qui accompagne l'héroïne : lent. Les scènes fantasques qui parsèment le film valent surtout pour la prestation de Laure Calamy, confondante de naïveté et de drôlerie.

BeTipul, série israélienne, mettant en scène un psychanaliste et ses patients a été adaptée dans de nombreux pays dont les USA avec Gabriel Byrne dans le rôle du thérapeute. 

C'est Arte qui propose la version française en la confiant à Olivier Nakache et Eric Toledano. Même mise en place. Un psy dans son cabinet reçoit ses patients pour 35 têtes à têtes de 26 minutes chacun. Ce huis clos captivant nous invite à suivre 5 patients, et deux thérapeutes, le héros et sa contrôleuse. Si la version française est proche de son modèle, son contexte lui est propre. Les rendez-vous se déroulent aux lendemains des attentats du 13 novembre 2015, l'un des plus récents traumatismes de la nation entière. Les 5 patients chacun avec leur vécu et leur pathologie propre, leur rapport à la psychanalyse, à leur place dans la société, dessinent les visages d'une humanité complexe. 

L'intérêt de la série repose sur trois qualités  : celle de l'écriture,  celle de l'interprétation et celle de la mise en scène. Ils sont sept à l'écriture du scénario soignant le dessin des protagonistes dans des dialogues précis. Ils sont 5 réalisateurs, à chacun son patient, qui dans ce huis clos qui ne se limite pas aux champs et contre-champs expriment, en plans soignés et ingénieux, les émotions qui ne sont pas dites. Ils sont huit comédiens tous très bons dans cet exercice difficile n'autorisant aucune approximation : Sophie Cattani, Carole Bouquet, Reda Kateb, Clémence Poésy, Pio Marmai, Elsa Lepoivre merveille de la Comédie Française, l'impressionnante Mélanie Thierry, la sidérante Céleste Brunnquell et le toujours impeccable Frédéric Pierrot.

A voir sur Arte tous les jeudis ou à volonté sur arte.tv

En février 1939, des miliers d'Espagnols fuyant la dictature franquiste sont parqués dans des camps par l'Etat français. Un gendarme français va venir en aide à l'un d'entre eux, le dessinateur républicain Josep Bartoli.

Pour témoigner de cette page sombre de l'histoire espagnole et de cette honte française, et pour conter l'histoire vraie du dessinateur de presse anti franquiste, Aurel choisit de favoriser le dessin en arrêt sur image plutôt que réellement animé. Cette réalisation syncopee, tout en soulignant l'hommage à l'art de Bartoli, associée à un soin des couleurs particulier, permet de hisser le film à la hauteur de son beau et grave sujet. 

Marie, Bertrand et Christine vivent dans le même lotissement et sont devenus amis en manifestant en Gilets Jaunes sur un rond-point. Tous les trois se retrouvent en délicate situation, prisonniers des pièges de notre société menée par l'intelligence artificielle et la sur-consommation.

Le film débute par une liste à la Prévert de tous les travers et les conséquences de la consommation et la digitalisation à outrance : intrusion dans nos vies privées, notation de tout et de tous, déshumanisation des contacts, abandon par les services publics des territoires, faillite par crédit à la (sur)consommation, uberisation, destruction de l'environnement.... Les situations et les dialogues percutants sont souvent très drôles même s'ils mettent en lumière une réalité terrifiante. Les deux réalisateurs pointent le doigt sur les multiples travers de notre société de façon appuyée ou rapide. Il faut rester attentif pour tout percevoir. Même si le film perd en efficacité dans le développement des histoires des trois protagonistes, l'ensemble reste bien vu. Et si certains jugeront cela facile, l'exercice reste utile pour nous rappeler, s'il le fallait, la folie qui mène notre petit monde.

Jean-Pascal, artiste qui galère, veut organiser une marche de contestation noire. Pour rassembler le plus de monde possible, il sollicite les artistes noirs les plus connus.

La forme de faux documentaire permet au héros d'interpeller le spectateur lors de ses petites victoires, de ses nombreux échecs et des situations incongrues ou édifiantes. auquelles il est confronté. Chaque sollicitation d'un artiste est l'occasion d'un débat musclé sur ce qu'est être noir, sur qui est noir, sur l'importance que ça a ou pas, sur les injustices que cela entraine, sur le poids de l'histoire, sur le communautarisme, sur le machisme de l'homme noir, sur la trahison de ceux qui ont réussi, sur la sincérité des engagements... le tout dans un enchaînement de scènes aussi hilarantes que signifiantes.

Les deux réalisateurs relèvent le défi de traiter un sujet sensible d'une immense complexité, en faisant rire, sans mauvais goût, et en n'oubliant jamais de faire sens.

De 1999 à nos jours, le combat de l'avocat  Robert Billot pour prouver la responsabilité d'une usine DuPond dans la pollution des terres et des eaux et la contamination de la  population en Virginie.

Haynes propose un film dossier dans la tradition du cinéma politique américain. Sans atteindre la verve d'une Erin Brochovitch ou l'intensité Des hommes du président, Dark Waters fait le job en contant de façon claire les tenants et aboutissants du duel, les enjeux économiques privés et étatiques, la lenteur de la justice et les vies broyées.

Le film, porté par Mark Ruffalo tout en accablement, tient un bon rythme jusqu'au dernier tiers où il marque le pas ne trouvant pas l'astuce narrative pour conter les années d'attente et manquant du romanesque auquel Haynes nous avait habitué dans ses précédentes œuvres.