Sans doute le film le plus déprimant que j'ai pu voir cette année.

Un film sur la déchéance et l'indifférence et sur la misère dans toutes ses formes. Misère matérielle et intellectuelle, individuelle et collective, misère dans l'opulence des zones commerciales, dans les vies pèpères des lotissements et dans nos campagnes.

La révolte est inutile et la marginalisation sans issue.

Que l'on soit dans le rang ou en dehors, il n'y a aucun espoir. Plombant.

Date de sortie en salle : 6 juin 2012

Date de sortie du DVD : 16 octobre 2012 

En 2008, pour la première fois en Egypte, une jeune femme porte plainte pour harcèlement sexuel. Après avoir remporté son procès, elle est contrainte de quitter son pays. En osant parler de harcèlement sexuel, elle a enfreint la loi du silence imposée dans la société Egyptienne.

Mohamed Diab s'est inspiré de cette histoire pour tracer les portraits de ces héroïnes, Fayza, Seba et Nelly, égyptiennes , toutes les trois confrontées, de façon plus ou moins appuyées, au harcèlement. Si Diab traite de la condition de la femme en Egypte, il a aussi l'excellente idée de présenter des héroïnes issues de trois milieux sociaux différents. On se rend vite compte que, si toutes les femmes sont touchées, elles ne le sont pas de façon égale. Mais, aussi que les femmes se jugent entre elles, entre modernité et tradition, très durement. Les personnages masculins, dans leur extrême complexité, sont plutôt bien dessinés. L'ensemble de ces portraits permet finalement de désigner le réel instigateur de ce fléau national : la société toute entière.

Sans doute trop ambitieux Mohamed Diab présente un film, proche du catalogue, un peu maladroit. De plus, scénariste de formation, il ne relève pas vraiment le pari de la mise en scène.

Le film vaut, ainsi, plus pour l'intérêt de son sujet que pour sa forme. Ce qui n'est déjà pas si mal. 

Dans les bonus, vous trouverez une interview du réalisateur qui conte la réalité du harcélement sexuel en Egypte et l'impact qu'à eu son film sur la société.

Date de sortie en salle : 30 mai 2012 

Date de sortie du DVD : 06 novembre 2012

Mathias croise au détour d'une croisière un petit garçon qui lui fait étrangement penser au  petit garçon qu'il était. Intrigué, il enquête sur l'enfant et découvre que la ressemblance ne se limite pas au physique.

Contre toute attente, Rouve traite son excellente idée de départ sans perdre son souffle en cours de route. Il développe son histoire en misant plus sur la nostalgie et la sensibilité que sur l'étrangeté de la situation. Le tout sans trop tomber dans la sensiblerie. Le casting est excellent.

Si vous laissez parler votre petit coeur, vous passerez un bon moment.

Date de sortie en salle : 13 juin 2012

Date de sortie du DVD : 31 octobre 2012

Ce qu'on retient avant tout, à la sortie du spectacle de Lutz, c'est la virtuosité du comédien. On reste épaté devant son talent d'incarnation. Ses personnages, une adolescente en crise, une vendeuse maniérée, un vieil homme branlant, un directeur de casting infect, un régisseur un peu trop détendu..., même déjà vu ailleurs sont magnifiés ici par la précision de l'interprétation. Son Karl Lagerfeld, en chevalier du moyen-age, est particulièrement saisissant.

Ensuite, on apprécie sa capacité à jouer des situations borderline avec une distinction qui semble pouvoir laisser tout passer. L'acteur porno qui gère son agenda comme un artisan lambda en est une parfaite illustration. Le décalage est hilarant.

Aussi, on apprécie une certaine profondeur dans des sketchs à priori inoffensifs tels le sketch sur la vulgarité, celle portée par des expressions toutes faites dont on a oublié le sens premier et l'enchaînement direct sur un sketch moquant un SDF.

On rit beaucoup et si tous les sketchs ne sont pas d'égale qualité, on y trouve toujours son compte ne serait ce qu'en admirant l'exceptionnelle dextérité du comédien. A voir sans attendre. 

Un billet de 100€ qui apparaît soudainement sur la table du salon, et qui sera suivi par bien d'autres, vient semer le trouble dans un couple légèrement bourgeois et de gauche. D'où vient cet argent ? Et pourquoi eux ? Elle, effrayée par ce fric qui la menace et lui très enclin à faire avec, vont y perdre la raison.

Evelyne Buyle et Pierre Arditi sont excellents dans cette pièce où le mystère de l'origine de cet argent a moins d'importance que ce qu'il dévoile. L'absurde y règne dans les deux premiers tiers avant de tomber dans le n'importe quoi et l'outrance.

En ne choisissant pas son camp - l'étrangeté de l'absurde ou le délire de la grosse farce - Sébastien Thiéry déçoit les deux publics, frustrant les amoureux du décalage et lésant les amateurs de boulevard. Vraiment dommage.

L'exposition dont tout le monde parle accueille pas moins de 128 oeuvres dont 55 des 100 tableaux qu'à peint Hopper durant sa vie. Les premières salles présentent les débuts, les artistes qui ont influencé Hopper, sa formation qui passe par l'illustration, la gravure puis les aquarelles qui seront ses premières ventes.

Ce sont pas moins de 40 oeuvres d'artistes ayant inspiré ou ayant été inspirés par Hopper qui parsèment l'exposition. Puis, arrivent les peintures. C'est là qu'on est saisie par un sentiment étrange de familiarité avec la majorité des oeuvres, que l'on prend conscience que ces peintures sont sous nos yeux depuis des années, au détour d'une couverture de livre, d'une illustration d'article dans un magazine, peut-être même d'une pub.

Familiarité accentuée par le cadrage, la lumière qui renvoient au cinéma et à l'imagerie Américaine. Une série d'arrêts sur image qui laissent libre court à l'imagination du spectateur.

Ces tableaux qui semblent esquissés à gros traits et qui sont, en fait, d'une précision extrême dans la capacité d'Hopper à aller à l'essentiel, dégorgent de couleurs et de lumière mais sont habités par des personnages blafards. Le contraste accentue l'impression de mélancolique et de solitude dans lesquels semblent plongés ces personnages. Souvent des femmes seules, ou des couples-groupes qui ne se regardent pas, côte à côte, mais sans échange. Une certaine idée de l'Amérique, blanche, de l'époque.

A la sortie de l'exposition, une boutique particulièrement bien fournie dédiée à l'artiste enchantera les fans et les amateurs de souvenirs.

PS : parmi les artistes qui ont été influencé par Hopper, une salle complète est réservée au photographe Philip-Lorca Dicorcia et sa série de photos «Best Seen, Not Heard». Des oeuvres impressionnantes.  

Georges et Anne, musiciens à la retraite, forment un couple harmonieux. Après une attaque cérébrale, Anne se retrouve paralysée. Georges promet à Anne de ne jamais la placer en maison de retraite.

Haneke filme la perte de soi et la perte de l'être aimé de façon froide, sans sentimentalisme et de façon précise, sans voyeurisme. L'émotion nait naturellement, sans artifice, servie parfaitement par Jean-Louis Trintignant et Emmanuelle Riva tous deux excellents.

Claude, élève de seconde, éveille l'attention de Germain, son professeur de français, par la qualité de sa rédaction. Encouragé par son professeur, il poursuit son récit dont le sujet est l'étude de la famille d'un camarade de classe.

"Dans la maison", on retrouve les sujets de prédilection de Ozon, la manipulation, la perversité, la satire des classes sociales, une homosexualité plus ou moins refoulée... On y trouve aussi une réflexion pas très poussée sur la création et la part du réel dans la fiction et celle de la fiction dans la réalité d'un adolescent.

Ozon s'incarne dans la peau de cet adolescent inquiétant dont le physique d'enfant sage laisse entrevoir une certaine malignité. C'est à travers le regard de Claude qu'Ozon s'amuse à la caricature du couple intello-bourgeois parisien, de la famille "bonheur de vivre" banlieusarde à l'américaine qu'il filme d'ailleurs comme une série télé, de l'éducation nationale qui ne sait plus quoi inventer pour être juste et efficace, de l'art contemporain...

Ozon balade son film entre deux univers principaux et adopte deux façons de raconter l'histoire : l'univers fantasmagorique et inquiétant du Claude voyeur dont les images "sitcomisées" sont la plupart du temps accompagnées en voix off par l'élève lui-même, et le monde bourgeois ronronnant de Germain filmé plus simplement avec une lumière moins clinquante. Tout son film consiste à passer de l'un à l'autre.

Tout d'abord attrayant le film devient un peu lassant. Est-ce l'effet redondant du commentaire en voix off plus proche du commentaire pour non voyant que de l'analyse des faits ? Est-ce l'intrigue qui manque de réels rebondissements ? Est-ce le propos qui manque de profondeur ? Le concept du manipulateur-manipulé trop évident ? 

Toujours est-il que, malgré la qualité de l'écriture, l'intérêt s'émousse au dernier tiers du film. Pourtant le duo Lucchini et Scott-Thomas est très bon en une sorte de couple à la Spencer Tracy-Katherine Hepburn et le jeune Ernst Humhauer, révélation du film, est parfait d'ambiguité.

Suite au récent décès de sa mère, Alejandra emménage avec son père à Mexico. Dans son nouveau lycée, sa vie tourne vite au cauchemar.

Le début du film qui traite du deuil est plutôt réussi. Le personnage du père, attachant, est bien dessiné. Celui d'Alejandra restera flou jusqu'au bout (une responsabilité dans la mort de la mère évoquée sans suite, absence de toute émotion sans piste d'explication...). Le moindre qu'on puisse dire c'est que le réalisateur ne nous force pas à l'empathie pour son héroïne. Sentiment amplifié par le parti pris de Michel Franco de réaliser tout le film en plans fixes maintenant le spectateur à distance. 

On se dit alors que ce qui intéresse Michel Franco c'est la déshumanisation. Mais à force de vouloir tout déshumaniser, les ados qui deviennent tous bourreaux, la victime-légume devenue amorphe, le corps professoral absent, la caméra sans vie, il supprime toute émotion et donc tout intérêt. La fin, un brin grandiloquente à la frontière du ridicule, confirme le propos, le père seul personnage à sauver devient bourreau sans pitié. Dispensable.