A Asunción au Paraguay, Ruben, chauffeur routier, prend à son bord Jacinta et son bébé pour les emmener à Buenos Aires.

Du film de Pedro Giorgelli, on retient surtout l'exercice de style : raconter l'histoire de la rencontre de ces trois personnages enfermés dans la cabine d'un camion sans réelle mise en scène de cinéma, avec des dialogues au minima, en comptant très fort sur le talent des comédiens qui feront parler les silences. 

Ainsi, la mise en scène se résume les 3/4 du temps à une succession de champs / contre-champs et les dialogues sont rares et épurés au maximum. Les évènements animant ce scénario sans surprise (on voit vite d'où on part et on comprend vite où on va, à tous les niveaux) se limitent à un passage de douane et à trois pauses pipi. Mieux vaut n'être pas trop énervé et surtout très disponible pour visionner les 1h25 de film.

"Les Acacias", dans son minimalisme forcené, n'est jamais très loin de basculer dans le néant. L'émotion, sous de faux airs de délicatesse, est trop téléguidée pour agir vraiment. Et, si on tolère l'ennui c'est uniquement grâce aux comédiens plutôt bons dans l'exercice et à l'attente d'une bonne surprise qui ne viendra pas vraiment.

Caméro d'Or Cannes 2011.

Date de sortie en salle : 4 janvier 2012

Date de sortie en DVD : 9 mai 2012

L'équipe de l'émission de radio "Breakfast-club" vient de perdre sa première place au classement des émissions du matin. La Direction de Blast FM leur impose une tournée d'été en province pour remonter l'audience.

Les bonnes blagues se comptent sur les doigts d'une main dans cette comédie française où les bons sentiments à deux sous sont légion.

Romain Levy multiplie les scènes contemplatives de ces supers potes dans leur bus roulant à travers champs sur fond de musique cool. Sans doute pour remplir le vide d'un film sans réel scénario.

Les comédiens sont sympathiques mais ne parviennent pas à tromper notre ennui.

Date de sortie en salle : 11 avril 2012

Date de sortie du DVD : 12 septembre 2012

Dans le sud des États-Unis, en 1858, le Dr King Schultz, un chasseur de primes allemand, anti-esclavagiste, achète Django, un esclave qui peut l’aider à identifier les bandits qu’il recherche. Schultz promet à Django, qu'en échange, il l'aidera à retrouver sa femme, esclave elle aussi.

Tarantino nous offre, dans les deux premières heures de son film, du très grand cinéma. Mise en scène superbe, parfaite maîtrise du récit, dialogues ciselés, dosage précis des émotions et accompagnement musical aux petits oignons. Christoph Waltz est exceptionnel, Jamie Foxx assure avec finesse l'évolution de son personnage et Di Caprio campe le méchant avec grand talent.

Tarantino, tout en conservant ce qui fait sa patte - humour et décalage - propose un cinéma plus classique, plus tenu, comme si la part historique et émotionnelle de son sujet l'imposaient. Ces deux premières heures sont admirables et passent en un éclair.

Puis, après avoir tenu les trois quarts de son récit sans le moindre écart, Tarantino lâche la bride et se fait totalement plaisir. C'est le moment de la vengeance et tout est permis. La série B, qu'il affectionne tant, s'impose. Le "too much" envahit chaque plan : les litres de sang coulent à flots et les morts ne tombent plus mais explosent sous les balles (bruitage à l'appui). Alors évidemment, on en rigole mais on en veut à Tarantino de gâcher un peu l'admiration suscitée par les deux premières heures d'un film qu'il faut absolument aller voir quoiqu'il en soit.

Maria Callas, la véritable histoire est une pièce curieuse.

Le projet est ambitieux : conter en 2h00 de théâtre la vie de Maria Callas.

Pour ce qui est du récit, si on n’est pas un fan absolu et pointilleux de la Callas, l’auteur relève le défi de la clarté. Il choisit une narration chronologique. C’est à travers les échanges entre les personnages (la mère, le premier impresario et mari, l’armateur Onassis et Jackie Kennedy) que les évènements clés de la vie de femme de la diva sont évoqués. L’histoire se tisse ainsi de façon fluide et équilibrée même si l’auteur, en fin de parcours, s’appesantit inutilement sur le cas Kennedy.

Très vite ce qui surprend dans l’écriture, c’est un étrange mélange des genres ; l’auteur n’ayant semble t-il pas voulu ou su choisir entre dramaturgie et pièce de boulevard. On est face à une sorte de soap opéra. C'est clinquant, outré. Certaines répliques  du genre « tu pues des pieds » tombent comme un cheveu dans la soupe et casse le mélodrame. Du coup, la pièce perd en magnétisme et les personnages en crédibilité. L’empathie ne s’installe pas vraiment. Bien sûr, l’auteur peut s’amuser à souffler le chaud et le froid mais cet exercice nécessite d’avoir un sens certain du rythme et une plume bien plus fine. Du coup, tout choc, les tentatives de faire rire comme celles d ‘émouvoir.

A cette écriture versatile, s’ajoutent des choix de mise en scène d’un autre âge. Ce n’est pas déplaisant de se retrouver « au théâtre ce soir » mais est-ce que cela a encore un intérêt artistique ?

Les incessants changements, ou plutôt mouvements de « décor » ; essentiellement une coiffeuse, deux chaises et un podium central qui apparaîtront, disparaîtront ou pivoteront sous les gestes pauvrement chorégraphiés d’une naïade grecque ; finissent pas être risibles. Les symboliques sont pauvres et les ficelles bien épaisses. Que le metteur en scène demande à ses comédiennes (Lola Dewaere, belle et juste et Sophie Carrier, parfaite en « monstre sacré ») de chanter en play-back, laisse à penser que le kitch ne lui fait vraiment pas peur.

Malgré ces fortes réserves, on ne peut douter de la sincérité de la proposition et de l’engagement de tous, auteur, comédiens et metteur en scène. Et si l’ensemble est maladroit, la pièce devrait plaire aux moins tatillons.

Trois frères, à l'âge adulte, élevés par une mère haineuse et abandonnés par un père alcoolique et violent se rendent à l'enterrement de ce dernier. Face à la deuxième famille, veuve éplorée et quatre fils recueillis, l'aîné crache sa haine. 

L'enterrement, scène clé du drame, est un bijou d'efficacité. Dès cette  séquence, Nichols plante les caractères de ces personnages. Le rôle de chacun se dessine. Comme dans l'ensemble du film, tout est dit en peu de mots, en peu d'images. Jeff Nichols laisse toute la place au silence dans ce monde de taiseux où les regards disent plus que les mots. Il soigne chaque détail jusqu'aux noms de ces personnages : les frères abandonnés et peu aimés portent des prénoms désincarnés (Son, Boy et Kid) et le boulet du village qui revient sans cesse remettre le feu au poudre entraînant la mort se nomme Shampoo.

Nichols évite aussi tout manichéisme. Ces personnages sont loin de la caricature habituelle des habitants des bleds d'Amérique. Ils ne sont ni débiles, ni déshumanisés et, d'un côté comme de l'autre, sont sans cesse partagés entre émotions/pulsions et raison.

La description du désir de vengeance et de l'engrenage de la haine ordinaire qui prend à chaque occasion un peu plus d'ampleur n'en est que plus troublante. Et le film est d'autant plus marquant que la violence est montrée à minima.

Date de sortie en salle : 2 janvier 2008

Date de sortie du DVD : 6 décembre 2011

Laurence, professeur de littérature à Montréal, annonce à Fred, sa petite amie, qu’il veut devenir une femme. Dans un premier temps, Fred tente d’accompagner Laurence dans cette transformation. Face aux préjugés de leur entourage et au rejet de la société, leur couple se débat et se déchire.

Vous l'aurez compris le sujet, complexe et intriguant, n'est pas forcément des plus légers. Il aurait demandé un peu plus d'approfondissement, de finesse, de modestie et de maturité dans son traitement.

Car Dolan n'échappe pas à son goût pour une mise en scène de film de pub ou de vidéo clip. Son "Laurence Anyways" est fait d'une succession de "coups esthétiques" pour sonner branché, ou créer une émotion pour le moins préfabriquée.Tout est très artificiel, jusqu'aux dialogues souvent lourdingues.A tel point qu'on perd vite tout intérêt et sympathie pour les personnages (Melvil Poupaud et Suzanne Clément).

Aussi, autre faiblesse du film, dont la durée (2h39) laissait pourtant largement le temps d'aborder le sujet à fond, est que Dolan ne traite (et encore le verbe "traiter" est ambitieux...) que de l'impact psychologique et sentimental sur l'histoire d'amour des deux héros. Les effets physiques qu'engendre cette transformation ne sont pas évoqués ou sont expédiés en une réplique. Comme si les changements anatomiques ne créaient aucune difficulté chez le héros et n'avaient pas vraiment de conséquence sur sa vie de couple. En revanche, Dolan s'appesantit sur les jupes, les talons hauts et le maquillage, sur l'apparence donc comme la société qui rejette Laurence.

Date de sortie en salle : 18 juillet 2012

Date de sortie du DVD : 21 novembre 2012

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A quelques jours de son mariage, Arnaud, qui a perdu la trace de sa fiancée Ann, tombe amoureux d'une autre, fait face seul à sa mère hystérique, sa belle famille envahissante et ses potes névrosés, aux travaux de son futur appartement et aux préparatifs de la cérémonie.

Encore un excellent casting avec en tête Emmanuelle Devos, Nicole Garcia et Valerie Donzelli. En premier rôle, Benjamin Biolay tire très bien son épingle du jeu.

La mise en image assez moche et un problème certain de rythme desservent ce film qui offre pourtant de bons moments.

De bons ingrédients et une recette pas mal sur le papier n'empêchent pas la cuisinière de se planter un peu.

Date de sortie en salle : 15 juin 2011

Date de sortie du DVD : 7 décembre 2011

Jennifer Marshall, actrice vedette d'une série américaine à succès, décide de quitter la série. Jeannne, sa voix française,  refusant son futur statut de chômeuse, part à Hollywood pour convaincre Jennifer de changer d'avis.

Quelques bons gags, de bonnes répliques mais une histoire sans surprise.

Hollywoo vaut essentiellement par la présence de Florence Foresti qui porte le film dans un numéro sur mesure.

Curiosité du film : découvrir Jamel Debbouze totalement transparent face au talent de Foresti.

Date de sortie en salle : 7 décembre 2011

Date de sortie du DVD : 11 avril 2012

On s'ennuit toujours un peu en regardant un film de Bruno Podalydes. 

Adieu Berthe n'échappe à la règle. Les scènes sont toutes un peu trop longues comme étirées mais chaque fois ponctuées d'une pirouette, d'un gag ou d'un bon mot, d'une note poétique. Le tout interprété par un casting de rêve.

Du coup, on ne sait plus très bien si on a aimé ou pas trop.

Date de sortie en salle : 20 juin 2012

Date de sortie du DVD : 21 novembre 2012

Lors d'une filature, Cristi, un jeune policier, aperçoit un lycéen fournir du haschich à des copains. Le policier rechigne à l' arrêter alors que la loi l'y oblige. Il considère cette loi comme obsolète et ne veut pas avoir la vie (3 ans de prison) du jeune homme sur la conscience. Mais, pour son supérieur, le mot conscience prend une toute autre signification.

Un film dit policier qui parle surtout de la police, de l'ordre et de la morale.

Avec de longs plans séquences pendant lesquels il ne se passe rien, le réalisateur prend son temps pour dire peu.

Son seul objectif : la scène finale très longue et très démonstrative autant pour le héros que pour les spectateurs. Bien que réussie, elle ne suffit pas à justifier les 1h50 de film.

Prix du Jury "Un Certain Regard" - Cannes 2009

Date de sortie en salle :19 mai 2010

Date de sortie du DVD : 04 septembre 2012

Ce mardi 11 septembre, je me suis retrouvée un peu par hasard invitée au concert de Superbus à l'Olympia.

Pas vraiment au fait de la "Superbus discostory", j'apprends alors que Superbus compte déjà 10 ans de carrière et 5 albums dont un best of.  Mes souvenirs d'écoute à la radio  et mon désir de passer une bonne soirée m'encouragent à enfiler mon humeur d'ado de 16 ans.

Et effectivement, l'attitude du groupe et le charisme teenager de Jennifer Ayache confirment la cible.

Les titres aux textes indigents sur des mélodies pop orchestrées un peu rock, un peu ska, s'enchainent. C'est entrainant et, comme ce soir j'ai 16 ans, je m'éclate. Sauf dans de rares moments de lucidité où il faut se remotiver. Sans connaître les albums, mais identifiant quand mêmes cinq titres, j'ai l'étrange impression que les morceaux sont reproduits calibrés comme en studio. Bref, la prestation live du groupe n'impressionne pas vraiment. Mais on s'en fout, l'ambiance est bonne et, avec les copines, on s'amuse. C'est déjà pas si mal.

Au 18e siècle, Barnabas Collins puissant aristocrate quasi propriétaire de la ville qui porte son nom, Collinsport, voit sa bien-aimée poussée au suicide et lui-même transformé en vampire et enterré "vivant" suite aux sortilèges d'une maitresse éconduite. 1972, Barnabas, libéré de sa tombe,retrouve sa ville, son manoir, ses héritiers, une jeune fille au pair qui ressemble étrangement à sa fiancée et son ennemie jurée.

On retrouve l'univers de Burton, très stylisé, sombre et loufoque. L'histoire est riche voire trop riche. Ainsi, la part romantique avancée dans l'intro avec le suicide de la fiancée n'est pas réellement exploitée par la suite. Tout comme le personnage du petit garçon orphelin et connecté avec son fantôme de mère n'est pas développé. Burton préfère l'outrance et le décalage et se concentre essentiellement sur son personnage principal (Johnny Depp excellent tout comme le reste de la distribution à commencer par Eva Green).

Du coup, le film n'est "qu'un" divertissement de passage. Il offre un bon moment mais ne marque pas les esprits. 

Date de sortie en salle : 9 mai 2012

Date de sortie du DVD : 10 octobre 2012

Sans doute le film le plus déprimant que j'ai pu voir cette année.

Un film sur la déchéance et l'indifférence et sur la misère dans toutes ses formes. Misère matérielle et intellectuelle, individuelle et collective, misère dans l'opulence des zones commerciales, dans les vies pèpères des lotissements et dans nos campagnes.

La révolte est inutile et la marginalisation sans issue.

Que l'on soit dans le rang ou en dehors, il n'y a aucun espoir. Plombant.

Date de sortie en salle : 6 juin 2012

Date de sortie du DVD : 16 octobre 2012