SansCrierArt: Aperçu critique de l'actualité culturelle. Comptes-rendus d'expositions, de pièces de théâtre, de films et de tous autres évènements culturels.
Deux amis d'enfance doutent de la nature de leur amitié, après s'être embrassés pour le tournage d'un film.
Dolan présente un récit pauvre et répétitif qui semble caricaturer son propre cinéma : mères hystériques et/ou toxiques, scènes de complicité sur fonds de tubes plus ou moins ringards, amitiés vachardes, doutes existentiels, héros martyre...
L'intrigue repose sur le seul destin de ce duo d'amis et tourne, comme eux, en rond.
8 films en 10 ans, c'est beaucoup et certainement trop pour que Xavier Dolan soit en capacité de se renouveler et d'étoffer ses récits.
La fondation Cartier-Bresson présente une exposition consacrée aux deux longs séjours en Chine effectués par HCB. Celui de 1948-49 à la veille de l'avènement de la Republique Populaire de Chine, et 10 ans plus tard.
Le photographe documente le basculement du nationalisme vers le communisme au fur et à mesure de son périple, de Shanghai à Hong Kong en passant par Hangchow (pèlerinages boudhistes) et Nankin. Au plus près de la population, ses photographies témoignent de la vie traditionnelle, du désoeuvrement de la population, du basculement politique et de l'industrialisation à marche forcée.
En 1958, à Pékin, le photographe voit ses déplacements entravés par le pouvoir. Sa visite téléguidée ne l'empêche pas de montrer la violence de la Chine de Mao notamment l'exploitation des hommes au travail et la propagande omniprésente.
Ces deux séries de photos ont été publiées dans de nombreuses revues dans le monde dont Life commanditaire des reportages.
Plus de 150 oeuvres sont exposées. A voir jusqu'au 2 février 2020.
Ricky qui multiplie les petits boulots depuis des années se met à son compte comme chauffeur-livreur. Cette décision nécessite des sacrifices à commencer par celui de la voiture de Abbie, sa femme, aide à domicile pour personnes âgées et handicapées.
Ken Loach dénonce ici l'ubérisation du travail. Il déroule son film en faisant s'affronter la déshumanisation du travail et l'équilibre familial. Les personnages, très bien incarnés par Kris Hitchen et Debbie Honneywood, sont instantanément attachants et les conséquences de leurs conditions de travail créent d'emblée l'empathie.
La démonstration est édifiante. Mais Ken Loach charge un peu trop la barque du malheur. Tout comme dans "Moi, Daniel Blake", ses excès nuisent à son cinéma qui en devenant caricatural perd en efficacité.
Le public est d'emblée chaud bouillant quand Roman Frayssinet entre en scène au point que pointe l'inquiétude que cet excès d'enthousiasme puisse perturber la juste écoute du spectacle. Que nenni. L'artiste prend la parole et impose naturellement une grande qualité d'écoute.
Frayssinet déroule le cycle de la vie, son inaptitude à l'amour, ses projets de vieillesse, ses rêves de gloire, sa vision de l'origine du monde, sa passion pour la nature, la violence des jeux d'adulte, celle de Paris, évoquant ainsi ses regrets, ses peurs, son humanisme, nos vies absurdes.
Alternant vannes percutantes, récits délirants et pensées profondes, il joue sur les tonalités en permanence de l'exaltation, à la confidence, de la grivoiserie à la poésie. Ainsi, le public rit, retient sa respiration, s’esclaffe, fait silence pour ne rien rater.
Roman Frayssinet présente un style très personnel, d'une expression soignée et ciselée dans tous les styles. Ses qualités de comédien, lui permettent de doser parfaitement chaque expression du visage et une gestuelle minimaliste extrêmement précise et expressive
Au théâtre de l'Oeuvre des jeudi et samedi à 21h jusqu'au 21 décembre.
Ashleigh, étudiante à Yardley, est invitée à Manhattan pour interviewer, pour le journal de la fac, Pollard, un réalisateur de cinéma prestigieux. Gatsby, son petit ami, est ravi de l'accompagner pour lui faire découvrir sa ville. Mais le week-end en amoureux ne se passe pas comme prévu.
Woody Allen transfère sa veine comico-dépressive et ses angoisses sur un jeune couple d'étudiants et révèle au passage le talent comique de Elle Fanning. La comédienne, qui dispose d'une partition particulièrement drôle, est la grande surprise du film. Pour le reste, l'ensemble, sans être extraordinaire, est tout à charmant.
Arthur, déséquilibré mental, vit seul avec sa mère psychologiquement malade. Il cachetonne comme clown et se rêve stand-uper tout en tentant de survivre dans une société ultra violente, humiliante et qui abandonne l'idée de le soigner.
Ce film imagine un passé au Joker (le méchant de Gotham City dans Batman) Pourquoi est-il devenu cet affreux individu ? Tout simplement parce qu'il est mentalement malade, nous dit le film dès les premières minutes. Pendant deux heures, le récit nous explique comment un gentil déséquilibré devient un affreux meurtrier dans une réalisation ultra demonstrative, à l'accompagnement sonore pesant et à l'interprétation outrancière. Interminable et vain.
Ce lundi 28 octobre, la salle Pleyel était pleine à craquer pour écouter The Divine Comedy qui présentait son 12ième album "Office Politics", sorti en juin.
Sur scène, deux portes "In" et "Out" et un bureau sur lequel est posé un ordinateur, cinq musiciens et des synthés, très présents dans ce dernier album où une électro un brin agressive illustre certains textes sarcastiques sur la déshumanisation du monde du travail.
Neil Hannon avec sa belle voix grave, bien que légèrement enrhumé, porte beau en costume rouge pétard. Sur scène la bonne humeur et le second degré sont de mise. "Come on guys !" Neil Hannon invite le public français, "au silence, le plus impressionnant du monde" à manifester plus fort encore son plaisir d'être là. Car le plaisir est bien là même si les titres robotiques tels "The Synthesiser Service Centre Super Summer Sale" ou "Psychological evaluation" déboussolent un peu jusqu'à nous perdre carrément. On retrouve vite le talent mélodique de Neil Hannon qu'il soit lyrique ("When the working day is done", "I'm A Stranger Here", "Norman and Norma'...) ou rythmique ("Queue jumper", "You'll never work in this town again"...). Le tout complété par les incontournables "A lady of a certain age, "Absent friends", "National Express" ou "Come home Billy bird"...
On peut être lassé de la recette d'écriture faite d'instantanés-clichés et de name-dropping, on peut avoir l'impression d'avoir déjà entendu ces mélodies, on peut ne pas être particulièrement fan du chanteur et passer un excellent moment au concert de Vincent Delerm.
Un piano à queue en centre scène sur fond d'écran géant. Un chanteur joueur qui manie parfaitement l'autodérision. Des sketchs-interludes, de l'humour, de l'impro, des surprises, des voix off, de l'émotion. L'envie de revoir La nuit américaine. L'hommage à Agnès Varda. La reprise de deux titres du premier album, l'Album qui excusera pour toujours le reste de la discographie. Puis Clotilde Hesme. Puis les vidéos minimalistes au design très épuré qui tapissent le fond de scène et capturent le chanteur. Puis, le bonheur de l'artiste. Et puis, le plaisir du public.
En 2014, en Centrafrique, Camille Lepage, 25 ans, photojournaliste, couvre la guerre civile.
Camille montre la guerre civile dans un des pays les plus pauvres d'Afrique à travers le regard d'une jeune photographe. Si le film n'explore pas en profondeur la situation en Centrafrique, il dessine sans tabou l'extrême violence et la confusion du conflit. Le portrait de cette jeune femme fougueuse, à la fois enthousiaste et désillusionnée, amoureuse de l'Afrique et de sa jeunesse, victime et bourreau, est porté par Nina Meurisse, lumineuse et grave.
Le Petit Palais consacre une très belle exposition au sculpteur et dessinateur italien Vincenzo Gemito. Né en 1852 à Naples, l’artiste y a effectué l’essentiel de sa carrière, à l’exception de quelques années passées à Paris qui lui ont apporté la célébrité.
Enfant trouvé, élevé dans les rues de Naples, Gemito a consacré une grande partie de son œuvre à l’enfance des rues.
Ses sculptures saisissent par leur grande expressivité et l’ensemble de son œuvre par sa modernité.
Le Petit Palais présente 120 sculptures et dessins dans une belle scénographie, sobre et élégante, et une mise en lumière des œuvres particulièrement soignée.
Une très belle exposition à voir jusqu’au 26 janvier 2020.
A l’occasion du bicentenaire de Gustave Courbet, le Petit Palais présente, dans un accrochage inspiré des Salons du XIXe siècle, une dizaine d’œuvres de Courbet en regard de quinze toiles de Yan Pei-Ming, grand admirateur du peintre français. Si l'intérêt du face à face peut laisser dubitaif, les toiles de Yan Pei-Ming impressionnent particulièrement.
Le Petit Palais et l’avenue Winston-Churchill accueille une trentaine d’œuvres dans le cadre de la FIAC.
On retrouve, entre autres, sur l’avenue « piétonisée » envahie de Food trucks et de tables de pique-nique, la machine à barbe à papa de Vivien Roubaud, une œuvre de Julien Creuset, un camion de Nicolas Momein, une Fiat 500 par Richard Jackson. Devant le Petit Palais, une imposante chauve-souris de Johan Creten, une œuvre dite anthropomorphique de Saint Clair Chemin.
La partie la plus intéressante se situe dans le Petit palais. La beauté du bâtiment 1990 flatte les œuvres qui ont été installées dans la galerie Sud, le péristyle et le jardin.
L’installation « Le proverbe turc » d’Erik Dortmund, le tableau « Les grands fonds » de Pierre Alechinsky, les sculptures en résine de Gaëtan Pesce, en bronze de Kiki Smith, en verre (et la tapisserie) de Laure Prouvost interpellent particulièrement.
Cette année encore la FIAC investit les jardins des Tuileries et la place de la Concorde, deux écrins exceptionnels qui donnent une dimension toute particulière aux œuvres exposées.
Parmi les artistes représentés, on remarque Pierre Ardouvin, Calder, César, Mark di Suvero, Ida Eklab, Sylvie Fleury, Richard Jackson, Alex Katz, Matthew Monahan, Sagna Moulton, Moataz Nasr, Younès Rahmoun, Vladimir Skoda, Tomi Ungerer, Cécile Bendixen, Carlos Cruz-Diez, Odile Decq, Jean Prouvé...
Depuis 2012, la FIAC convie un artiste à investir la Place Vendôme. Yayoi Kusama avait accepté l’invitation et inspirée par ses thèmes récurrents produit une superbe citrouille jaune recouverte de pois. L’œuvre gonflable d’une superficie de 10m carré s’avérait être une des plus imposantes de l’artiste.
Installée en début de semaine, elle a dû être démontée ce jeudi car trop instable par coup de vent.
Reste sur la place trois cartels et des amateurs de l’artiste à la recherche de la citrouille envolée.
Roy Mc Bride, brillant astronaute, est missionné pour mettre fin à un phénomène étrange venu de l'espace mettant en danger la terre. Pour cela, il doit retrouver aux confins de l'espace son père parti, il y a bien longtemps, à la tête d'une vaste mission pour trouver une trace de vie intelligente.
Les images sont très belles et la réalisation efficace tant dans les scènes d'action que de contemplation. Brad Pitt est parfait dans le rôle de l'astronaute déterminé et de fils abandonné meurtri. Le rôle, qui alterne testostérone et sensibilité à fleur de peau, n'est pourtant pas évident à tenir. James Gray qui a l'habitude de flirter avec le ridicule est, à plusieurs reprises, très près d'y tomber. La voix off du héros qui s'auto psychanalyse y fait beaucoup.
La qualité des images et celle de la réalisation des scènes dans l'espace, sur la lune ou Mars ou dans les vaisseaux spaciaux, nous font, presque, oublier ce travers.
Richard découvre que sa femme Maria le trompe. Après leur dispute, Maria décide, à l'insu de Richard, de passer la nuit dans l'hôtel face à leur appartement.
Christophe Honoré propose une sorte de vaudeville, mâtiné de comédie romantique à la Cary Grant/Katarine Hepburn, de l'absurde d'un Blier, du cynisme d'un Guitry et du décalage d’un Resnais. Un ensemble réjouissant où le réalisateur amuse autant qu’il semble lui-même s’amuser.
Jouant avec les règles du genre, il installe dans le rôle, à la fois, de l'amant dans le placard et du mari infidèle, Chiara Mastroiani, absolument parfaite. Benjamin Biolay et Vincent Lacoste se partagent le rôle du conjoint romantique et Camille Cottin interprète celui du premier amour, mélancolique, en quête de retour.
Le réalisateur a placé cette comédie dans un quasi huis clos reconstituant les deux lieux de l'action en studio ; seules les rares scènes de rue ont été tournées en extérieur. Un décor que le réalisateur n’a pas peur de montrer en survolant les différentes pièces. Un procédé qui associé à des textes très écrits nous rapproche du théâtre.
La réalisation offre de beaux plans et une photographie très séduisante qui jouent avec ces décors colorés et une lumière au rendu artificiel nous emportant naturellement dans la fantasmagorie de Maria.
Pour sa réouverture après un an de travaux, le MAM de Paris ouvre ses portes et ses collections temporaires gratuitement tout le week-end.
La fête a débuté ce vendredi avec à l'extérieur des DJ sets de Patrick Vidale et Eugène Delation. A l'intérieur un big band anime la visite du nouvel accrochage des collections permanentes et de ceux de deux expositions temporaires. You, La collection Lafayette Anticipations qui présente des artistes contemporains.
Et surtout une très belle retrospective des oeuvres du peintre Hans Hartung pionnier de l'abstraction lyrique. Pas moins de 400 oeuvres sont présentées chronologiquement dans un accrochage aéré laissant place à l'expression de chaque création.
Le PCB accueille les artistes Damien Beneteau, Laurent Debraux, Justin Fiske, Pascal Haudressy, Gladys Nistor, Haruhiko Sunagawa, Catarina Rosa, Karina Smigla-Bobinski dans une exposition proposée par Eko Sato (galeriste dans le 20e).
"Le Silence du Mouvement est une expérience sensorielle privilégiant la lenteur et le silence au brouhaha et à l'agression de la vitesse."
Cadre supérieur dans une compagnie de fret maritime, Franck est licencié après avoir pris une décision immorale mais rentable pour son entreprise.
Le sujet du film d'Antoine Russbach n'est pas tant la dureté du monde du travail que l'immoralité qu'il peut porter, broyant les hommes et mené par la puissance de l'argent. Immoralité d'entreprises sans foi, ni loi, immoralité de ses employés poussés aux crimes, immoralité des familles qui se fichent de savoir d'où vient l'argent du foyer.
A la première partie réussie, succède un grand vide que le talent indéniable d'Olivier Gourmet ne peut combler. Le rythme global est lent, la tonalité très froide permet difficilement de s'attacher aux personnages, d'autant plus que le héros est un taiseux qui souffre en silence. L'ensemble manque cruellement de rebondissement et d'événements.
L'avis d'une tout à fait non-spécialiste des Marvel :
Spiderman Far from home est un film qui parle d'adolescents et s'adresse essentiellement aux adolescents. 🤓
Cela reste assez drôle 😂, visuellement bien foutu 🤩, affreusement bavard 😴 et très instructif : Iron Man est semble t-il décédé dans un épisode précédent 😱
1998, Kaboul est aux mains des talibans. Mohsen et Zunaira rêvent de pouvoir enseigner, lui, l'histoire, elle, le dessin, d'aller au cinéma, de se promener main dans la main et sans burqa.
Belle et curieuse idée que celle d'adapter le livre de Yasmina Kadra en animation. Les réalisatrices ont choisi de faire jouer les comédiens puis de mettre leur jeu en images pour une plus grande justesse dans l'interprétation. Ce procédé astucieux fait son effet. Les dessins sont très beaux. Leur beauté et les plans qui ne montrent jamais la violence de face, tout en ne reniant pas l'horreur de la situation, tire le film vers la fable. Un part pris respectable qui peut interroger au regard du sujet.
C'est l'anniversaire d'Andrea. Dans la grande maison familiale enfants et petits enfants sont réunis. Claire, la fille aînée, partie à l'étranger depuis 3 ans, réapparaît.
Cette histoire de famille est surtout le portrait d'une femme dysfonctionnelle, agressée par la vie, qui bouscule un bonheur familial instable qui repose sur le déni.
Le film est porté par son excellent casting, Vincent Mc Caigne, Luana Bajrami, Laetitia Colombani, Cédric Kahn, aussi bon devant que derrière la caméra, l'immense Catherine Deneuve et la très grande Emmanuelle Bercot.
Heloise, mère de trois enfants, voit l'heure du départ de la petite dernière arriver.
Difficile de se passionner pour cette histoire centrée sur les nombrils d'une ado. pourrie-gâtée et de sa mère hystérique. La pauvreté du récit, la platitude des dialogues, l'absence de profondeur des personnages, le milieu parisien-frique, la vulgarité de l'ensemble affligent. Même l'immense talent de Sandrine Kiberlain semble atteint par la médiocrité générale.
Au XVIIIe siècle, Marianne, jeune peintre, est engagée pour réaliser le portrait d’Héloïse, promise à un homme qu'elle ne connait pas et à qui le portrait doit être envoyé.
Les superlatifs se bousculent pour dire la charge émotionnelle portée par ce film. La beauté et la délicatesse sont partout.
Dans la photographie d'abord. Majesté des paysages baignés de lumière, harmonie des couleurs, mystère des intérieurs d'une grande simplicité tamisée, éclairage des visages, des regards et des corps. Dans la mise en scène ensuite, à la fois vive et en retenue, qui montre et laisse deviner.
Dans les dialogues aussi qui en peu de mots, simples et subtils, disent tout. Dans les silences et les sons, du frottement du fusain sur le papier, aux crépitements du feu des cheminées jusqu'aux rythmes des respirations. Dans la fluidité du récit astucieux qui ne découvre pas tout et laisse volontiers imaginer, deviner.
Dans la tonalité d'un clavecin qui ne joue que quelques notes éparpillées d'une mystérieuse musique qu'on reconnait pourtant. Dans un "je ne sais pas" qui dit précisément le "je ne sais pas" qu'il veut dire. Dans le pinceau qui dévoile la texture d'une peau, les traits d'un visage, la colère d'un regard.
Dans l'interprétation de Luana Bajrami, touchant oiseau tombé du nid et combattante. Dans celle de Valeria Golino, dont le regard perdu et la voix voilée portent merveilleusement le spleen de son personnage. Dans le duo fusionnel formé par Adèle Haenel intense et Noémie Merland touchée par la grâce.
Par les sujets abordés. La condition des femmes, qu'elles soient aristocrates, domestiques ou artistes. La création, la fragilité et la domination de l'artiste et celles de son modèle. La naissance d'un amour guidant vers l'émancipation. Le mythe d'Orphée et d'Eurydice, le choix de l'amoureux et celui du poète. Le renoncement. La portée du souvenir.
Tout est délicatesse et beauté, jusqu'à ce titre merveilleusement romanesque : "Portrait de la jeune fille en feu".
A la fin des années 60, Rick Dalton, star de séries télé, et Cliff Booth son cascadeur et homme à tout faire, tentent de survivre dans l'industrie hollywoodienne. Ils y croisent Sharon Tate et la secte Manson.
Tarantino parle d'hommage à Hollywood. Le film ressemble plutôt à l'expression d'une nostalgie de l'imagerie des années 60. Les personnages principaux sont dessinés à gros traits et ne semblent être là que pour habiller les sketchs délirants et nostalgiques du réalisateur. L'ensemble est assez répétitif, les scènes similaires se succèdent. Léonardo Di Caprio et Brad Pitt, parfaits ne suffisent pas à nous sortir d'un certain ennui. Cerise sur le gâteau Tarantino se pique de venger Sharon Tate.
Qu'il habille les histoires sorties de son imagination d'outrance, de violence et d'humour dégénéré est une chose, qu'il s'empare de personnages réels au destin tragique pour donner un semblant de sens à son propos rend l'ensemble indigeste. Si le mauvais goût fait partie de l'oeuvre de Tarantino, il a atteint ici ses limites.
/image%2F1565334%2F20161119%2Fob_63c602_paris-19-novembre-2016-2.JPG)
/idata%2F0256749%2FPere-Lachaise%2F2012_02_04_0169.JPG)
/idata%2F0256749%2FInstantanes%2FBeyoglu-Rues--17-.JPG)
/idata%2F0256749%2FMiroir--mon-beau-miroir%2FMiroir--mon-beau-miroir-6754.JPG)
/idata%2F0256749%2FLa-Defense%2FLa-Defense-9427.JPG)
