"Ca semble être l'histoire d'une femme qui s'en va." dit le dossier de presse. Évidemment, tout est dans le "semble". Il est vrai qu'il est difficile d'en dire plus sur le récit sans en dévoiler trop. 

Inspiré de la pièce Je reviens de loin de Claudine Galèa, Serre moi fort parle de l'absence et de ce qu'on en fait, de ce qu'en fait, Clarisse, son héroïne.

On retrouve dans Serre moi fort la virtuosité de Mathieu Amalric à raconter des histoires, et dessiner des portraits dans des montages complexes faits d'instantanés, de fragments qui éclairent petit à petit le récit. Serre moi fort se construit ainsi par petites touches, scènes de vie intemporelles, où l'émotion affleure. Seul regret dans ce montage : le choix du réalisateur de dévoiler sans l'assumer tout à fait le cœur du drame au 1/3 temps du film. Le cacher totalement ou le révéler dès le départ de façon claire aurait permis au spectateur de s'abandonner et d'accompagner au plus près Clarisse dans son voyage. Dans le rôle principal, Vicky Krieps (vue dans Phantom Thread) est exceptionnelle. Elle porte la puissance émotionnelle du film.

Lire les critiques de Tournée et Barbara  de Mathieu Amalric.

Yusuke Kafuku est un comédien de théâtre  classique. Il vit heureux et amoureux avec son épouse Oto, scénariste pour la télévision. Un jour, Yusuke surprend, sans que celle-ci s'en aperçoive, sa femme et son jeune amant. Yusuke choisit de taire cette découverte à Oto.

Ceci est le prologue de 45mn qui met en place tous les éléments matériels et symboliques d'une histoire très riche aux multiples interprétations. Entre huis clos et road movie, hymne à la créativité par l'abandon de soi, habité par des personnages marqués par la mort et passionnés par leur métier, Drive my car ne cesse d'intriguer pendant 3 heures. La beauté des images, le mystère des personnages, la poésie des rencontres, la mixité des langages, la force des silences, le poids de la culpabilité, le spleen de Tchekhov... tout dans ce film, adapté d'une nouvelle de Murakami, interpelle.

Ces personnages en souffrance trouveront dans l'écoute et la compréhension de l'autre une forme de repos.

2h15, c'est une durée peu banale pour un one man show. Laurent Sciamma déchaîné, heureux de retrouver une salle pleine après un été calme, passionné par son sujet, a du mal à quitter la scène. Celle du Café de la Gare, en l’occurrence, sur laquelle il clame son amour et admiration des femmes et son incrédulité face aux mécanismes de construction du mâle.

Si le début de son spectacle, inquiète un peu avec des déclarations telles que "j'ai honte d'être un homme (face à ce qu'endurent les femmes)" le propos prend vite une tonalité moins culpabilisante. Dans un format éloigné du simple enchaînement de punchlines, Laurent Sciamma déroule son propos de féministe militant. Militant pour les femmes et pour le droit d'être un homme blanc-jeune-hétéro exprimant sans honte ses émotions.

2h15, sur le papier cela peut sembler long, dans la salle ça ne l'est pas du tout. La proximité qu'installe le comédien, son énergie physique, son enthousiasme, la limpidité et l'humour avec lesquels il déroule son propos maintiennent l'attention de son auditoire. Certains pourraient lui reprocher de rester très soft sur les exemples de difficultés au féminin, mais si le but est d'éveiller le mâle blanc lambda, le job est fait.

A voir au Café de la Gare jusqu'au 28 août, en tournée et de retour à Paris à la Comédie des Trois bornes. 

Paul Goutard est un scénariste sans succès, psychologiquement fragile que son épouse et son petit garçon ne peuvent aider. 

Tel est le point de départ de la riche histoire que nous conte François de Brauer qui, seul en scène, interprète une vingtaine de personnages.

Alors que l'art a été considéré pendant plusieurs mois comme non essentiel, La loi des Prodiges interroge, sur le ton du drame, de l'humour et de la poésie, sur ce qu'est l"art, son utilité, sa place dans une société où tout se consomme ou la productivité domine, Il dézingue, au passage, le tout spectacle, en politique, à la télévision et au niveau économique, mais aussi le marché de l'art et un certain élitisme.

François de Bauer offre un spectacle beau et puissant qu'il interprète avec force et maestria.

A ne pas rater sur francetv.fr jusqu'au 22 décembre 2021.

Après trois ans de travaux et de rénovation et une année de confinement, la Bourse de commerce Pinault Collection a ouvert ses portes le 22 mai. L´homme d´affaires et collectionneur François Pinault a missionné l´architecte Tadao Ando pour qu'il revisite ce lieu historique afin que passé et futur se mêlent harmonieusement. Pièce maîtresse de cette adaptation, un cylindre de béton de 30 mètres de diamètre et 9 mètres de hauteur épouse la forme circulaire de l'édifice, délimitant l"espace et créant un chemin de circulation.

Le résultat est époustouflant de beauté et d'efficacité pratique. Le reste du monument a été restauré, en particulier l'immence fresque qui habille la rotonde, ainsi que la superbe coupole de métal composée de 2000 pièces de verre.

Un écrin somptueux pour accueillir l'énorme collection d'art contemporain de François Pinault qui possède environ 10 000 oeuvres et qui dispose déjà du Palazzo Grassi et Punta della Dogana à Venise pour exposer.

Pour l'inauguration de la Bourse de commerce, François Pinault s'est attribué le rôle de commissaire d'exposition choisissant lui-même les artistes et les oeuvres dans le soucis de témoigner d'une ouverture au monde, à la diversité, au respect des différences. 

Une trentaine d'artistes sont exposés dont Urs Fischer qui accueille les visiteurs dans la rotonde avec son hypnotisante oeuvre de cire, réplique de l'enlèvement des Sabines, qui a débuté sa combustion le jour de l'inauguration. Bertrand Lavier investit les 24 vitrines de la rotonde avec ses détournements d'objets du quotidien.

David Hammons, qui traite de la situation des afro-américains, se voit offrir sa plus grande exposition en Europe dans la galerie 2. La galerie 3, dédiée à la photographie, présente, entre autres, une série de Cindy Sherman et les 94 photographies de Louise Lawer dénonçant l'amendement Helms du 14 octobre 1987 interdisant l'utilisation des fonds fédéraux dans la prévention contre le Sida.

La galerie 4 expose trois imposantes œuvres de Rudolf Stingel d'huile sur toile semblant être des photographies. Les galeries 5, 6 et 7 sont dédiées à la peinture et à la sculpture avec des artistes aussi divers que Kerry James Mashall, Claire Tabouret, Lynette Yiadom-Boakye, Peter Doig, Kerry James, Luc Tuymans, Antonio Oba, Thomas Schutte, Martin Kippenberger...

A l'entrée, on trouve "Ici plage, comme ici bas" de Martial Raysse et sur les balcons de la rotonde 52 pigeons de Maurizio Cattelan.

La majesté du lieu, oeuvre d'art a lui seul et le nombre d'oeuvres exposées nécessitent 2 bonnes heures de visite. Enjoy !

Gulliver, dans son 3e voyage, fait nauvrage sur l'archipel de Laputa composé de quatre iles habitées par des personnages étranges.

Les comédiens de Catalyste menés par les metteurs en scène Madeleine Louarn et Jean-François Auguste nous emportent dans la fantasmagorie du roman de Jonathan Swift. La peur de la fin du monde et la mort sont au coeur de ce récit mené sur le ton de la satire, à la fois drôle et grinçant. Dans le respect du roman, les comédiens ont réécrit une partie de leur partition pour mieux se l'approprier, ajoutant ici et là quelques références contemporaines.

Ici Gulliver est une femme. Une jeune femme à la voix enfantine qui rend ses étonnements face à la folie des hommes plus touchants encore et drôles aussi. Manon Carpentier est excellente dans le rôle, entourée par les comédiens de la troupe, très bons également. Leur différence ; ils sont atteint d'handicap ; apporte à leur personnage la singularité qui sied parfaitement au récit et intensifie la portée décalée du propos.

A voir dans le cadre du Festival In d'Avignon jusqu'au 24 juillet, puis notamment du 2 au 6 octobre à Sew à Morlaix et à la MC93 en février 2022.

Henry McHenry stand-upper provocateur de renom et Ann Desfranoux délicate cantatrice star sont amoureux. De l'union de l'infréquentable et de la princesse naîtront un ogre et une enfant.

Carax présente un conte fantastique qui fait la part belle au lyrisme et à une énergie électrique qui nous gagne dès la scène d'introduction et la chanson titre des Sparks. Se succéderont une série de tableaux aux couleurs et décors superbes, mêlant références classiques et art video, aux ambiances romantiques, érotiques et terrifiantes. Le récit frôle parfois le vide sans jamais vraiment y tomber, régulièrement rattraper par une scène magique.

Leos Carax et les Sparks semblent avoir puisé dans les histoires récentes à l'origine ou issues du mouvement #metoo. On pense ainsi reconnaître dans le personnage d'Henry, Louis CK entre autres, mais aussi tous ses maris jaloux de l'aura de leur conjointe, et en Annette, ces enfants pantins-stars exploités par leurs parents.

On l'aura compris l'homme ne ressort pas grandi de ce conte fantastique musical, à la fois un peu bancal et superbement mis en images et en musique. Adam Driver dont le corps n'a jamais semblé aussi imposant impressionne face à une Marion Cotillard qui offre dans une partition ténue une interprétation parfaite.

Une oeuvre qui ne peut laisser indiffèrent qui, à plusieurs degrés, est, tout à la fois, emballante et désespérante.

En compétition officielle au Festival de Cannes 2021.

A New-York, Joe Gardner, professeur de musique dans un collège,  voit son rêve de jouer avec la saxophoniste Dorothea Williams exaucé. Mais un accident va le faire basculer dans une autre dimension.

Le nouveau film de Pete Docter auteur de Monstre et Cie et de Vice versa. Le propos, qui mêle peur de l'échec et recherche du sens de la vie, sans réelle originalité, n'échappe pas à une certaine naïveté. Son traitement est en revanche plus intéressant. La représentation des deux univers, la beauté du dessin, l'humour et l'énergie de l'ensemble emportent la partie.

Michaël est médecin de nuit dans les quartiers nord de Paris. Il a une importante clientèle de toxicomanes auxquels il prescrit du subutex. Sa vie est bouleversée par les services qu'il rend à son cousin pharmacien et par sa relation avec Sofia.

Le film repose beaucoup sur le talent de Vincent Macaigne de tous les plans et particulièrement attachant dans ce personnage de bon samaritain abusé par ceux qu'il aide et aime.

Le récit rapide ne s'embarrasse pas de scène inutile. La réalisation aussi précise dessine parfaitement l'étau qui se resserre et l'angoisse qui monte dans ce Paris nocturne. Un film d'1h20 assez marquant.

A Tokyo, Mikio tient une imprimerie et vit avec sa jeune épouse, sa petite fille et sa sœur divorcée. Un jour, Kagawa, que Mikio à connu autrefois, entre dans l´imprimerie.

Koji Fukada propose un film de home invasion, genre que le cinéma traite régulièrement. Le récit se déroule sans réelle surprise jouant plus sur le décalage comique que sur l'angoisse, sans intriguer vraiment si ce n'est sur son intention. S'agit-il d"une critique d'une société japonaise corsetée, enfermée dans les apparences, effrayée par la pauvreté et les étrangers... Ou est-ce au contraire une démonstration que le danger vient de l'extérieur ? Le réalisateur semble sans cesse jouer sur les deux tableaux sans prendre une position claire.

Si le film n'avait pas été tourné en 2010, on serait tenté, à quelques semaines de l'ouverture des JO de Tokyo dont le maintien en période de pandémie est controversé, de pencher pour la seconde hypothèse. Plus sûrement, on pariera sur une critique un peu simpliste du Japon et des travers de sa culture insulaire.

Sympathique mais vite oubliable.

De nos jours, Sophie, parisienne de 28 ans, voudrait être dessinatrice, rencontrer le vrai amour et changer de matelas.

C'est sans doute Nine Antico qui résume le mieux les réserves qu'on peut porter à son film, via Sophie qui, lors d'un casting, dit à peu près ceci "j'ai trouvé le scénario inabouti."

Playlist est construit en une succession de saynettes de quelques petites minutes censées dessiner le personnage et ses errements professionnels et amoureux. On sourit parfois. On attend beaucoup. Et on se raccroche à l'énergie déployée par Sara Forestier et le pouvoir comique de la décalée Laetitia Dosch que la réalisatrice malheureusement sous exploite.

Une visite au musée d'Art Moderne de Paris, pour l'exposition de Sarah Moon par exemple, est l'occasion de voir ou revoir La Fée électricité de Raoul Dufy.

Pour l’Exposition internationale de 1937 à Paris, Raoul Dufy a réalisé, dans le hall du Palais de la Lumière et de l’Électricité une œuvre de 600 m². Entre mythologie et avancées technologiques modernes, Dufy présente la création de l’électricité. Il place les portraits de 110 savants et des dieux de l'Olympe dans un paysage multicolore de nature, de voiliers, d’oiseaux… La forme courbe de la salle et son éclairage donnent à cette fresque immense une dimension artistique exceptionnelle qui saisit toujours.

Une visite de l'exposition dédiée à Peder Séverin Kroyer (voir ci-dessus) au Musée Marmottan-Monet est l'occasion de revoir une dizaine de tableaux de Berthe Morisot présentés dans les collections permanentes.

Le musée possède la plus grande collection d’œuvres de la première femme impressionniste aux côtés de Renoir, Degat, Pissaro, Monet.

Dans une pièce dédiée à l'artiste, on peut notamment admirer Le cerisier et le portrait d'Eugène Manet et sa fille dans le jardin de Bougival.