La Maison Rouge s'associe à la Cité de la céramique de Sèvres et présente un panorama de l'utilisation de la céramique dans l'art, de Rodin à nos jours. La Maison Rouge propose un parcours chronologique, suivi de salles dédiées à des artistes contemporains. Une belle occasion de redécouvrir que la faïence, la terre cuite, le grès et la porcelaine offrent un vaste champs de possibles en termes de création artistique.

Cette version théâtrale du film de Woody Allen est horripilante. Son décor particulièrement moche nous inquiète dès l'entrée dans la salle. Il n'annonce rien de bon pour qui espère retrouver un peu de la profondeur du cinéaste. Et effectivement, dès la première scène le jeu de certains comédiens nous indique que la pièce penchera vers le théâtre de boulevard. Mais l'espoir demeure encore un peu. La mise en scène s'annonce alerte et astucieuse et elle le sera effectivement jusqu'au bout. L'adaptation, tant dans le découpage de l’histoire que dans la réécriture des dialogues, sera honorable. En revanche, les comédiens semblent ne pas jouer la même partition. Marc Fayet (dont le jeu me désole définitivement) et Astrid Roos font dans le boulevard bien lourd. Florence Pernel (qui est pourtant plutôt pas mal d'habitude), Hélène Médigue et Alka Balbir naviguent dans un entre deux et ne sont jamais vraiment en place. Seuls José Paul (tout en nuances) et Emmanuel Patron restent sobres et redonnent à cette pièce un peu d'élégance.

Au final, il n'est même pas sûr que les amoureux du théâtre de boulevard y trouvent leur compte et l'intérêt de cette adaptation nous échappe totalement.

Dans les années 30, Bobby quitte New-York, ses parents, son frère et ses affaires louches, sa soeur et son beau-frère communiste, pour réussir sa vie à Hollywood. Il compte sur son oncle Phill agent de stars pour le lancer.

Café Society est un film en tout point charmant. Loin de la veine de Manhattan ou de Annie Hall, il se positionne plutôt dans l'esprit d'un Radio Days à la différence notable que Woody Allen offre ici une qualité de réalisation remarquable. La reconstitution de l'époque, costumes et décors, la lumière, la mise en scène sont magnifiques. Les comédiens avec en tête Jesse Eisenberg et Kristen Steward, décidément excellente, sont parfaits. Plusieurs scènes sont particulièrement drôles et on retrouve tout le long du film la verve, l'autodérision et l'humour noir de Woody Allen. Un bon cru.

La Fondation Cartier présente la première rétrospective européenne consacrée au photographe Colombien Fernell Franco. 140 photographies réalisées dans la ville de Cali entre 1970 et 1996 sont présentées par thématiques (démolition, intérieurs, billards, paquetage, prostitution...). Fernell Franco témoigne de la disparition de la ville de son enfance, détruite par la violence des cartels, la fuite de sa population et le modernisme qui transforme les bonnes vieilles salles de billards en casinos. La majorité des photographies ont été réalisées en noir et blanc et souvent tirées en plusieurs exemplaires variant la lumière ou le cadrage. Si la série prostitution ne semble plus offrir d'intérêt particulier tant au niveau artistique qu'au niveau du témoignage, les séries Démolitions, Intérieurs, Paquetages ou Billards séduisent par le travail effectué sur la lumière et le cadrage. L'oeil du photographe nous y apparaît particulièrement. Une vidéo dans laquelle Fernell Franco commente ses différents travaux, diffusée dans le cadre de l'exposition, apporte un nouvel éclairage sur son travail.

Orel et Gringe, repérés et adoubés par un producteur de rap il y a quelques années, sont incapables de composer une chanson complète. Ils traînent sans grande ambition musicale jusqu'au jour où leur producteur menace de les laisser tomber s'ils ne créent pas un titre dans les prochaines 24 heures.

On retrouve ici le verbe et le sens de la formule d'Orelsan et Gringe. Leurs personnages de gentils loosers sont parfaitement dessinés. C'est intelligent, original, drôle et tendre. Une belle surprise.

Date de sortie en salle : 9 décembre 2015

Date de sortie en DVD : 19 avril 2016

Jusqu'au 1er août, le Centre Pompidou consacre une rétrospective de l'oeuvre de Paul Klee présentée sous l'axe de l'usage de l'ironie et de la satire qu'aimait manier le peintre Allemand. Près de 230 œuvres classées en 7 thèmes sont réunies. Les formats des dessins et aquarelles sont petits, voire très petits. Les grands formats sont minoritaires et plutôt réservés à la peinture. La diversité du style qui change et évolue sans cesse interpelle. Une exposition impressionnante par sa taille et sans doute passionnante pour les amateurs du peintre mais dont la scénographie austère peinera à convaincre les sceptiques ou les novices.

De nos jours, en Inde, dans un village de l'état de Gujarat, quatre femmes sont confrontées à une domination patriarcale ultra violente. Rani élève, seule, son fils adolescent alcoolique et porte le deuil depuis que son mari est mort il y a 15 ans. Elle s'endette pour payer une dote et "acheter" une femme à son fils tel que le veut la tradition. Lajjo subit les violences physiques de son mari qui lui reproche de ne pouvoir lui donner un enfant. Bijli joue la femme émancipée, libérée de la tyrannie des hommes. Elle est danseuse et prostituée dans un cabaret itinérant. Janaki, la plus jeune est mariée contre son gré au fils de Rani. Ces quatre femmes découvriront ensemble un autre possible.

Leena Yadav, à travers les portraits de ces quatre femmes aux parcours différents mais au destin semblable, nous entraine au coeur d'un univers archaïque et déshumanisé. Dés les premières images, la beauté des paysages, des tenues vestimentaires, des visages magnifiés par une mise en lumière ultra soignée nous emporte. La violence qui se fait de plus en plus oppressante n'en est que plus choquante. La réalisatrice, à travers quelques personnages masculins positifs parvient à éviter la caricature. Elle parsème son film de codes du cinéma Boolywoodien qui tranchent avec la crudité de son sujet. Ainsi, sans cesse l'effroi succède au rire et à l'émotion positive. Les quatre comédiennes d'une grande beauté sont impressionnantes dans l'incarnation de ces femmes tout à la fois victimes de leur propre éducation et des hommes, et pleines de vie et de fantaisie. Entre résignation et espoir.

Tom et Laura, tout deux jeunes adultes, vivent avec leur mère Amanda. Abandonnée par son mari il y a de nombreuses années, Amanda a élevé seule ses enfants. Elle vit dans le regret de la jeunesse qu'elle n'a pas eu, et à laquelle elle ne veut pas renoncer, et dans le soucis obsessionnel que Laura se trouve un mari à défaut d'un travail.

Prologue. Seul à l'avant-scène, Tom, le conteur de cette étrange histoire, nous explique qu'il n'invente rien mais que sa mémoire peut donner à ses souvenirs la couleur des songes. Il traverse alors le rideau de voile qui sépare le public de l'appartement où tout va se jouer.

Ce rideau de voile que le metteur en scène Daniel Jeanneteau a installé est le seul élément sur lequel on reste dubitatif. Bien sûr, il permet de donner à toutes ces scènes l'étrange couleur des rêves, de positionner les spectateurs en épieurs, d'évoquer l'écran de cinéma si cher à Tom (et à Tennesse Williams), d'accentuer l'impression d'emprisonnement ressenti par les deux enfants. Mais, il a aussi le défaut de masquer un peu trop les visages et expressions des comédiens. Du coup, on oscille sans cesse entre l'envie que ce rideau se lève et le plaisir de la beauté des plans qu'il procure. L'appartement, pièce unique entourée de lourds rideaux semble une boite. Peu ou pas de meubles (une chaise le temps d'une scène, un miroir et une lampe suspendue), au sol une moquette épaisse blanche comme du coton sur laquelle les comédiens jouent pieds nus. Des comédiens qui nous offrent des interprétations d'une rare qualité. Olivier Werner est parfait dans le rôle du conteur-protagoniste qui oscille entre détachement et émotion. Pierric Platier est le galant tout en finesse sur lequel tout les espoirs se portent. Solène Arbel, d'une discrète efficacité, campe avec beaucoup de grâce, le rôle délicat de la jeune fille tétanisée par ses complexes et la tyrannie d'une mère qu'interprète la géniale Dominique Reymond. Tout simplement magistrale, elle semble danser, virevolter sur ce tapis cotonneux, jouant cette mère délirante, qui à la moindre occasion redevient une jeune fille en fleurs gaie et séductrice, qui appelle sa fille "petite soeur". Passant du ton doucereux et chantant à celui cassant de la mère sans cesse déçue par sa fille mal dégourdie et son fils égoïste, la comédienne nous saisis sans cesse par sa virtuosité. Du très grand art.

Pour la 6e année consécutive, le 104 accueille le festival de la jeune photographie Européenne. Près de 50 photographes sont exposés dans le dispositif habituel, sur des panneaux dans la halle Aubervilliers et et sur les murs de trois ateliers. La sélection fait la part belle au conceptuel, laissant un peu sur leur faim les simples amoureux du beau. Ci-dessous, cinq artistes qui ont retenu notre attention.

Aglae Bory - Série Mers intérieures. Ses photos d'hommes et de femmes faces à la mer, regardant l'horizon, à la lumière de la fin du jour, comme un espoir qui s'éteint, résonnent particulièrement en ces temps où les réfugiés se comptent en centaines de milliers.

David Hornillos - Médiodia. Un mur de briques oranges capturent les passants hommes ou animaux, et le spectateur de ces photos. Hypnotique.

Yoann Cimier - Nomad's Land. L'été, sur les plages de Tunisie, les tunisiens se posent sur le sable avec d'étranges installations faites d'objets et de matériaux de récupération. Cocasse.

Esther Hovers - False Positive. S'inspirant des caméras de surveillance censées identifier les personnes aux comportements suspects, Esther Bory composent des scènes de rue mettant en situation des personnages adoptant huit de ces comportements. Sensations étranges.

Vilma Pimenoff - 21st Century Still Life". A la manière des grands peintres de la renaissance, Vilma Pimenoff présente des natures mortes à la durée de vie infinie car réalisées avec de la toile cirée. Photos belles et bluffantes.

Laurent Kronental - Souvenir d'un futur. Ses photos des grands ensembles d'Ile de France, considérés comme avant gardistes à l'époque de leur construction, et de leurs habitants les plus âgés donnent à réfléchir sur le temps qui passe et sur la notion de futurisme et de modernité.

Dans leur maison de la campagne anglaise, Deeley et Kate s'apprêtent à recevoir Anna, une amie d'enfance que Kate n'a pas revue depuis 20 ans.

La pièce d'Harold Pinter n'est pas simple à comprendre. Les situations et dialogues à double sens se succèdent donnant place à toutes les interprétations possibles. On peut aimer ou totalement détester se laisser conter une histoire à laquelle on ne comprend rien, mais, si en plus, le récitant n'y met pas le bon ton, on tombe vite dans le néant absolu. Benoit Girod, metteur en scène, est le conteur qui à l'Atelier n'a pas su laissé s'installer de climat dans cette curieuse histoire. Aucune montée en puissance, peu d'étrangeté, aucune angoisse. A force de trop vouloir en faire, il a totalement supprimé tout intérêt à l'intrigue. Les vidéos projetées sur le rideau, les personnages qui entonnent la chansonnette, le paysage de mer en fond de plateau... le kitsch est partout jusque dans les déplacements des comédiens sur scène. Ils semblent empruntés dans leurs mouvements, surjouant. On est désolés pour ces trois grands interprètes qui méritaient mieux.

Dans les années 90, en Yougoslavie, pendant la guerre, un groupe d'humanitaires tente d'évacuer d'un puit le corps d'un homme mort. Si le corps n'est pas retiré rapidement, il contaminera définitivement le seul point d'eau encore accessible aux populations de la région.

Cette mission est le prétexte pour témoigner des difficultés que rencontrent les humanitaires pour travailler en temps de guerre. Face aux menaces des acteurs du conflit, à l'inertie des casques bleus ou à l'absurdité des règles militaires qu'impose l'ONU, ils se retrouvent souvent seuls pour aider les populations civiles. Ce qui fait toute la qualité du film c'est le traitement choisi par Fernando Leon Aranoa : entre témoignage réaliste et comédie. Il plonge ses héros dans les situations les plus dramatiques mais aussi les plus incongrues, ce qui donne des dialogues et des scènes assez cocasses. Tourner ainsi en dérision des situations d'une aberration à pleurer donne encore plus de force au film. Tim Robbins est particulièrement drôle dans le rôle de l'humanitaire déjanté. Beniccio del Toro en baroudeur qui en a vu d'autres, et Mélanie Thierry, en jeune oie blanche, sont parfaits. A voir.